Santiago Tadeo Cervera

Diario de un tejedor 6: semana tejeril

2012-01-31T15:12:00.000-08:00

No, no siempre llevo una aguja en la oreja.

(Nota: en mi imaginación esta foto quedaba mejor)

Lunes 23:

15:20 Me preparo para ir a las clases del Máster. Además de bolígrafos y cuadernos, meto en la mochila mi recién estrenado cuello.

21:00 Concluida la última clase, me pongo el abrigo y acto seguido el cuello, todavía en el aula, con la esperanza de que alguien se fije y pueda decir “pues lo he hecho yo”. Nadie lo mira siquiera y vuelvo a casa compungido.

Martes 24:

Mañana: Por primera vez en mi vida, me enfrento al siguiente dilema: qué madejas elegir para mi siguiente proyecto. Descubro la emoción y responsabilidad de seleccionar color, calidad y marca. Finalmente, asesorado por Ángela, me decanto por Abuelita Merino Worsted – American Rose y Abuelita Merino Worsted – Silent Rain. En cuanto a las agujas, sigo fiel a Clover Bambú - Takumi 23cm.

Ángela ha creado un diseño de bufanda expresamente para la ocasión: ese será mi segundo proyecto tras mi desigual cuello. Eso sí, no quiere adelantarme nada, me irá informando a medida que lo vaya tejiendo. Misteriosa manera de realizar una bufanda de punto.

Tarde: me quedo dormido tras montar una veintena de puntos. Dormido sentado en el sofá con las agujas en la mano. Está bien, tenía un amenazante principio de resfriado y me había levantado a las cinco de la mañana, pero sigue siendo algo insólito para mí. O bien es cierto que tejer relaja, o bien tengo un principio de vejez prematura.

Miércoles 25:

11:52 Ángela me dice cómo debo tejer la bufanda ―un punto tejido y otro saltado― y se va al cuarto contiguo a colocar los nuevos ovillos de Holst Gran Samarkand que acaban de llegar.

11:59 Llamo a Ángela porque se me han salido dos puntos de la aguja y entro en pánico. Viene.

12:01 Llamo a Ángela porque no recuerdo si toca saltarme el punto o tejerlo. Viene.

12:04 Llamo a Ángela porque no sé si he hecho bien un punto. Viene.

12:08 Llamo a Ángela porque he vuelto a olvidar si debo saltarme el punto o tejerlo. Viene.

12:13 Llamo a Ángela porque llego a una parte muy confusa y no distingo el punto. Viene.

12:15 Llamo a Ángela porque se ha salido un punto de la aguja y no sé si ya lo he tejido o no. Viene.

12:17: Llamo a Ángela porque no sé qué debo hacer con el último punto de la vuelta. Viene.

12:17 Ángela, incomprensible e injustamente, me dice que soy un quejica y que debo empezar a ser más autónomo. No viene.

12:18: Voy al cuarto contiguo con las agujas y pongo cara de pena.

____________

21:00 Tras las clases del Máster, vuelvo a ponerme el cuello antes de salir al exterior y vuelve a ser asombrosamente ignorado por el resto de mis compañeros.

Jueves 26:

21:00 No falta el cuello entre mis prendas para protegerme del frío granadino. ¿Os podéis creer que nadie se fija en él ni alaba su maravilloso acabado?

Viernes 27:

Acudo a mi segunda reunión de Alhambra Knits. Está también Jose Ángel, especialista en ganchillo. Se acerca al lugar en el que estoy y me dice que ha venido desde Jaén para que no sea el único hombre. ¡Gracias! [Pero que conste que yo solito entre mujeres siempre he estado muy bien, faltaría más]. Personas amables y generosas me dicen que disfrutan leyendo mi diario: aprovecharé este espacio para dar las gracias a los que tienen a bien leerme.

Sábado 28:

Sueño que leo la siguiente noticia en un periódico: la casa en la que vivimos debe ser desalojada, porque los cimientos fueron creados con ganchillo defectuoso. La noticia continuaba con absurda terminología que ya no recuerdo, pero lo curioso es que se trata de mi segundo sueño ‘laborioso’ en cuestión de semanas. ¿Qué será lo próximo?, ¿cruzo el Atlántico en un barco de punto?, ¿hago una sopa de agujas intercambiables de doble punta?

Domingo 29:

Continúo tejiendo la bufanda. Próximamente más información.

Lunes 30:

21:00 Salgo del máster. ¿Sabéis lo que os digo? No necesito que nadie se fije en las cosas que tejo. Yo tengo más personalidad que eso.

Anterior entrega.

Diario de un tejedor: mi primer proyecto terminado

2012-01-25T02:30:00.000-08:00

A las 03:05 del Domingo 22 de Enero del 2012 concluí mi primer proyecto, un cuello. Quedaría muy bonito afirmar que sentí una enorme euforia, una gran satisfacción por ver el resultado, pues eso es lo que pensaba que ocurriría mientras lo realizaba. Pero no, no fue así. Sentí alegría, sí, pero una vez terminado me pareció de lo más natural y empecé a pensar en mi siguiente reto tejeril. Y es que convivir con una persona que termina un jersey en dos días si se lo propone ayuda mucho a relativizar lo que uno hace.

Ha sido un proceso largo que ha puesto a prueba mi paciencia y, para qué negarlo, tedioso en ocasiones. Lo más importante, no obstante, es que me ha descubierto una nueva concepción del tiempo. No tejía durante unas horas, sino durante un número limitado de vueltas, las que podía realizar hasta sentir que mi cerebro se había recalentado en exceso. Por otra parte, las horas no se medían en minutos, sino en número de vueltas completadas, cifra que, a pesar de ir aumentando a medida que avanzaba, siguió siendo muy baja. Para colmo, terminada cada vuelta, me quedaba contemplando un rato la nueva línea, evaluando si los puntos eran más o menos regulares y comprobando, con escaso éxito, que no me había saltado ningún punto.

Todo aquel que conozca a un tejedor sabrá que las cosas nunca ocurren inmediatamente. Hay que esperar “una vuelta más”. Vuelta adicional que, si uno se descuida, acaban siendo dos, tres, cuatro... Estaba ya preparando mi dulce venganza, saboreando el momento en el que Ángela me dijese, “prenda, ven un momento”, para poder responder con una enorme sonrisa: “una vuelta más y voy”. Pero claro, al ritmo al que tejo, tardaría tanto en acudir que ella ya habría olvidado el motivo de su llamada. Al menos comprendí por qué es imposible dejar las agujas sin terminar la vuelta empezada: tampoco yo lo logré. Si hubiese que evacuar urgentemente un local en el que se reuniesen tejedores, estos sólo se levantarían una vez concluidas sus respectivas vueltas.

La peor parte de mi inexperiencia es que los puntos estén demasiado cerca del extremo de la aguja, de modo que pueden salirse sin querer, o que estén demasiado lejos y tenga que tirar hasta sacarlos. No consigo aún mantenerlos en una posición intermedia, y algo similar me ocurre con la aguja de la mano derecha. La parte buena, en cambio, es tener a Ángela disponible para solucionar mis múltiples errores y tejer con ella, los dos juntos en el sofá. ¿No imagináis lo tierna que es la imagen? Pero lo mejor de todo es notar su sonrisa cuando me mira de reojo, aún sorprendida por verme con las agujas en la mano: hace menos de un mes ella ni siquiera podía sospechar que yo aprendería a tejer. ¡Ah!, y no debo olvidar que ha sido la primera vez en mi vida que coso, paso necesario para juntar los dos extremos del cuello. Cuantas sensaciones nuevas en cuestión de semanas.

Antes de despedirme hasta la próxima entrega, quiero presentaros el primer punto que me salté:

Ya he desarrollado una mirada láser que me permite identificar ese punto saltado en décimas de segundo, incluso a metros de distancia del cuello. Hasta le he cogido cariño: al fin y al cabo, es el primero de muchos que vendrán, el ‘punto saltado fundacional’. Y ahora sí os dejo, que alguien tiene que ponerse un cuello al ídem y presumir con él.

Música escuchada durante la realización del cuello:

Duo, de Bugge Wesseltoft y Henrik Schwarz.
The Seven Last Words Of Jesus, de Haydn, dirigido por Paul Angerer.
Forever, de Chick Corea, Stanley Clarke y Lenny White.
Recomposed – Mahler Symphony X, de Matthew Herbert.

Anterior capítulo.

Diario de un tejedor: mi primera reunión de Alhambra Knits

2012-01-16T21:07:00.001-08:00

El viernes 16 de Enero viví uno de los momentos clave de (casi) todo tejedor: acudir a un encuentro. Lo tenía fácil, puesto que en Granada acababa de ponerse en marcha Alhambra Knits, el más reciente de múltiples grupos que estuvieron activos en la ciudad alguna vez. Ahora bien, tenía una razón adicional para acudir precisamente a este grupo: yo le puse nombre. También cuenta que, inicialmente, lo organizó La Maison Bisoux, pero el encuentro es de todo aquel que quiera acudir y me complació comprobar que las decisiones se toman democráticamente.

Pero vayamos con el relato del encuentro por orden de prioridades. Fue la primera vez que estuve rodeado de más de una decena de mujeres. Lo que no ha conseguido mi atractivo durante 28 años lo he logrado con una semana de tejedor. Está bien, ninguna acudió por mí, no poseo ese poder de convocatoria [de hecho, pasé más bien desapercibido], pero dejadme que lo considere un hito igualmente. Ser el único hombre ―creo que es la primera vez que me autocalifico así― en un grupo tan amplio de mujeres suscitó miradas entre extrañadas y socarronas por parte de los que pasaban cerca de nuestras mesas. No obstante, además de que eso no supone un problema para mí, es algo a lo que estoy acostumbrado: en mi vida predominan las (buenas) influencias femeninas. Tengo más amigas que amigos, mis profesores más inspiradores han sido mujeres en su mayoría... En muchos aspectos, siempre me he sentido cerca de la sensibilidad femenina. Es más, la ruptura de las fronteras y los roles genéricos me parece un buen objetivo que perseguir, una de las maneras más efectivas de luchar contra la desigualdad y el machismo, entre otros males.

Volviendo al encuentro, ahí estaba yo, con mi técnica insegura y lenta, rodeado de personas que tejen a velocidades supersónicas y dominan estilos complejísimos. También había algunas alumnas de Ángela que sólo me llevan unas semanas de ventaja, suficiente para sentirme un pelín más integrado. Quizá ese sea uno de los aspectos más interesantes de estas reuniones, que se junten tejedoras de distintos niveles y se ayuden entre ellas. Me coloqué al ladito de Ángela, para que me resolviese mis muchas dudas y acudiese en mi rescate cuando lloriqueaba desesperado cada vez que hacía algo extraño con las agujas. Estuve algo más de una hora, pero no avancé mucho con mi cuello. En fin, cuando esté terminado le dedicaré la próxima entrega de este diario para que constatéis mis avances.

Unas tejedoras eran encantadoramente extrovertidas, otras también divertidas, algunas tímidas... Yo permanecí en ese tercer grupo, pues nada más llegar me invadió esa timidez en grado máximo que solía padecer y de la que creía haberme librado. Entre eso y que todavía no puedo hablar y tejer al mismo tiempo ―ya iré superando estas limitaciones psicomotrices―, debieron de pensar que no soy muy comunicativo. Para la próxima me prepararé algunos chistes. Así que sí, pienso volver. Me he mostrado habitualmente reticente a formar parte de grupos debido a mi carácter individualista, pero precisamente por eso creo que me vendrá bien. Y quien sabe, quizá algún día yo pueda aportar algo a otro principiante. Por otra parte, la posterior cena en el restaurante La Estrella fue un gran final para la noche y una buena oportunidad para ir conociendo a las tejedoras de Alhambra Knits. También estuvimos planeando nuestra primera acción de ‘Granada enlanada’, pero sobre eso no puedo desvelar nada. En definitiva, todo era novedoso para mí: fue como la primera inmersión en un mundo desconocido pero cuyos misterios te atrapan poderosamente.

Y hasta aquí llega este relato de mi nueva vida lanera que me está afectando más de lo que pensaba. El éxito del diario ya está siendo una estimulante sorpresa. Pero eso no es todo, pues alguna metamorfosis está ya ocurriendo en mi cerebro: hace unas noches soñé que el director de una revista de música para la que colaboré me daba clases de bordado. Desafortunadamente, me desperté justo antes de que empezara la lección, de lo contrario ahora sabría algo más. Días después, celebrando el cumpleaños de Ángela en un restaurante japonés, tenía la impresión de estar cenando con unas agujas Clover en lugar de con palillos. Si hubiera pedido tallarines, quizá podría haberlos tejido.

Muchas gracias a Ángela por la foto, y a Irene por la cámara. No me gusta nada cómo salgo, pero como me noto demasiado vanidoso y presumido últimamente, publicarla será una buena cura. Además, es la que mejor refleja el grado de concentración que necesito para repetir una y otra vez cuatro simples pasos.

Anterior capítulo.

Diario de un tejedor: primera clase

2012-01-11T14:52:00.000-08:00

El Domingo 8 de Enero del 2011, Ángela me dio mi primera clase de punto. He aprendido a montar el proyecto y a hacer punto del derecho. Según dice mi querida profesora, he tejido al estilo continental. En dos horas de clase, he conseguido completar seis de las aproximadamente 160 vueltas necesarias para terminar el cuello que he comenzado. En este preciso instante, el sentimiento que predomina en mí es el de admiración hacia todas aquellas personas que ya tejen. No sé cómo pueden tejer sin siquiera mirar o, sencillamente, mantener una conversación mínimamente coherente al mismo tiempo. Las contadas ocasiones en las que yo lo he intentado, olvidaba en qué parte del proceso estaba, o construía frases de sintaxis discutible.

Ingenuamente, pensé que al llevar desde muy pequeño tocando el piano, tendría cierta facilidad para aprender a tejer. Claro que nunca he sido bueno para las manualidades, y parece que esta actividad entra dentro de esa segunda categoría. Supongo que a todos los que se aventuren les parecerá muy complicado al principio, pero esa combinación de giros, cruces, cambios de dirección, precisos movimientos de aguja..., tras varias vueltas podía sentir el calor que desprendía mi cuerpo. Y eso por no hablar de la colección de muecas con la que acompañé cada movimiento. Tengo que controlar ese aspecto si quiero tejer en público. En fin, supongo que ya le iré cogiendo el tranquillo.

El otro descubrimiento, aunque ese ya lo sospechaba, es la extraordinaria paciencia de Ángela a pesar de que tardé varios minutos en aprender los cuatro únicos pasos necesarios para realizar un punto. Paciencia que mantenía intacta incluso cuando, tras más de un centenar de puntos, de pronto olvidaba misteriosamente uno de los pasos. Ahora comprendo por qué sus alumnas salen encantadas de las clases. Eso sí, diré en mi defensa que Ángela me aseguró que sus alumnas aprenden al mismo ritmo que yo, cosa que me hizo sentir un poquito menos torpe. [Nota: no era necesaria, pero es una prueba más de que ‘género’ y ‘capacidad para tejer’ son cuestiones independientes].

Confieso que, durante la segunda hora, cuando enlazaba varios puntos a una velocidad mínimamente aceptable, aunque todavía estuviese a años luz de la que alcanza mi profesora, notaba una rara euforia que hacía tiempo que no sentía. Esa alegría plena, inquebrantable, que a uno le invade al aprender algo nuevo que ha resultado complicado al principio. Sólo por eso mereció la pena el esfuerzo. Pero tampoco quiero exagerar, sólo estoy aprendiendo a tejer, no a realizar trámites burocráticos, que esa sí es una ardua tarea. [Nota: ¿por qué no hay cursos de burocracia? Imaginad: ‘Cómo superar el síndrome Kafka al entregar becas’ o ‘Fotocopias compulsadas. Paso a paso’].

En cierto modo, ha sido como aprender un nuevo idioma, dado que tejer es un lenguaje que no domino. De momento sólo sé decir ‘qué hora es’ y ‘me llamo Santiago’, así que aún me falta mucho para emprender las oraciones más elaboradas. Pero lo más sorprendente de todo fue que, una vez acabada la clase (y la posterior cena para recuperar energía), lo que más me apetecía era volver a coger las agujas. En esa segunda tanda ya fui más eficiente: otras seis vueltas en sólo una hora. ¿No es asombroso?

Parte médico:
Dolor en el cuello.
Dolor en los hombros.
Temperatura corporal cercana a la fiebre.
Pulso alto.
Más que probables agujetas cuando me levante mañana.

Producción:
6 vueltas de un cuello con 37 puntos.

Detalles técnicos:
Agujas: Clover.
Lana: Katia.

Objetivo:
Terminar el cuello en el plazo de una semana, antes de mi próxima clase, en la que aprenderé a cerrar el proyecto.

Impresiones:
Fue uno de esos días en los que, literalmente, no me acuesto sin saber una cosa más.
Estoy impaciente por empezar a presumir con mis nuevas habilidades adquiridas, aunque mi profesora dice que aún me falta mucho para eso.

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Diario de un tejedor: presentación

2012-01-07T16:33:00.001-08:00

En la primera entrega de este diario, os conté mi objetivo: aprender a tejer. Esta segunda entrega, preludio de mi primera clase, la dedicaré a eso tan cortés que es presentarse y, también, a desarrollar algo más mis motivos para tomar esta decisión que me ha sorprendido incluso a mí.

Ángela ya se presentó hace un tiempo, de modo que me toca a mí. Soy Santiago Tadeo Cervera, nací en 1983 y desde entonces llevo luchando con mi timidez. Este diario, de vocación exhibicionista, forma parte de mi terapia auto-impuesta. Soy licenciado en Comunicación Audiovisual y poseedor del título de Grado Medio de música, especialidad piano, y de un título de Máster en Música, por la Universidad Politécnica de Valencia. El cine y la música, como habréis adivinado, perspicaces lectores, son dos de mis mayores intereses. He rodado algunos cortometrajes que es preferible que no vean la luz, durante un tiempo tuve un grupo de música con un amigo, he escrito obras de teatro más o menos divertidas, participé en la creación de audiovisuales para una ópera de Morton Feldman, he cantado en coros y siempre lamentaré no haber podido tocar en una orquesta sinfónica. Una vez toqué en el Palau de la música de Valencia, y ese es el punto culminante de mi carrera como pianista, cosa que no dice gran cosa de mí, lo sé. Olvido algo, seguro, pero será por un buen motivo.

Estos son los trabajos que he realizado, en orden cronológico: barman en un horrible parque de ocio inglés; vendedor de globos y mercadotecnia varia en Disneylandia París; camarero en un restaurante español; pinchadiscos en clubs de buena parte de España, pianista en una sala de Granada y periodista musical. Actualmente soy director de contenidos de la web Acid Jazz Hispano, uno de los responsables de la tienda La Maison Bisoux y alumno del Máster para la formación del profesorado de secundaria. Me encanta el ciclismo, los gofres, el cine de Woody Allen, la quietud de las noches y el realismo mágico. Hablo seis idiomas, pero bien sólo el español, y ni siquiera estoy completamente seguro de eso. Dispongo de bicicleta propia, buena presencia (salvo por las mañanas) y don de gentes (y plantas).

Tejer es una suerte de tradición familiar, al menos por parte materna. Mi madre me contó que mi tatarabuela, de la que no fui contemporáneo, ganó un concurso gracias a unos calcetines tejidos sin costuras. Mi bisabuela, que murió siendo yo muy pequeño, hacía punto y encaje de bolillos. Mi abuela solía hacer punto y ganchillo. Uno de mis últimos recuerdos de ella es verla en el sofá, tejiendo, y quejándose porque se equivocaba. Pero no, no era una queja caprichosa. Tenía Alzheimer y fue una de esas raras ocasiones en las que la enfermedad parecía darle una tregua, en las que hablaba con un resto de lucidez, en las que se daba cuenta de cómo se había deteriorado su salud. Era una queja amarga, angustiosa, imagino que como la que sentimos en las pesadillas en las que no podemos correr, o nos cuesta mucho caminar o realizar cualquier actividad cotidiana. Mi abuela, meses antes de morir, no podía ya tejer sin equivocarse, y posiblemente fue la última vez que se dio cuenta.

Mi madre, interesada por menesteres más intelectuales, apenas si ha tejido, pero sí he tenido la suerte de llevar alguna bufanda creada por ella y más de una vez la he visto con las agujas en la mano. Mientras escribo esto, de hecho, está tejiendo un cuello para mi hermana con una de nuestras hermosas lanas 100% Purewool Fingering. Finalmente, mi novia, Ángela, es la mayor experta en punto y ganchillo que conozco. [Aviso para Freudianos: cuando la conocí y me enamoré de ella no tenía ni idea de que tejiese]. En fin, las mujeres de mi vida tejen o han tejido, la técnica ha estado presente en todas las generaciones, y dado que mi hermana, de momento, no tiene intención de aprender, me toca a mí asumir la responsabilidad de perpetuar tan inofensiva tradición.

Pero no, para qué negarlo, esa no es la razón, nunca me han importado nada las tradiciones familiares. La razón por la que quiero aprender a tejer, además de las cuestiones prácticas ―como poder encargarme mejor de la tienda―, es acercarme aún más Ángela, que sienta que puede compartir conmigo una de sus mayores aficiones. De no ser por ella, si no fuese a darme ella las clases, de ningún modo se me ocurriría adentrarme en este mundo lanero que, muchas personas me lo han advertido ya, es peligrosamente adictivo.

Muchas gracias a tod@s por los ánimos. En la próxima entrega os cuento las impresiones tras mi primera clase.

Diario de un tejedor: reflexiones iniciales

2012-01-07T16:27:00.001-08:00

(Yo, algo más joven que ahora, mucho antes de descubrir el mundo lanero).

Uno de los últimos días del 2011, le dije a Ángela lo siguiente: quiero que me enseñes a tejer. Fue por teléfono, así que me perdí ver cómo le brillaban los ojos de la emoción. No es que el resto del tiempo no le brillen, pero en ese preciso instante seguro que fue un brillo especialmente notorio. Pasada la sorpresa, vino la inevitable pregunta: ¿por qué quieres aprender a tejer? Debí balbucear alguna respuesta más o menos convincente que no recuerdo.

No sé muy bien por qué quiero aprender, pero después de mucho meditarlo pensé que podía ser interesante, al menos, intentarlo. Seguro que tiene su encanto eso de llevar una prenda realizada por uno mismo. Además, posiblemente nunca tenga una mejor oportunidad: mi novia es una de las más demandadas profesoras de punto y ganchillo de Granada (y parte del extranjero). Por otra parte, hace meses que soy uno de los responsables de la tienda de lanas La Maison Bisoux, de modo que no es mala idea que aprenda qué hacer con los ovillos que vendemos. Después de realizar los marcadores (¿no os parecen entrañables?), por ejemplo, no estaría de más saber para qué sirven. En fin, es del todo lógico. ¿Acaso los políticos no saben de política? Bueno, está bien, quizá no haya elegido el mejor ejemplo.

Ha llegado el momento de empezar a entender las cuestiones técnicas de las que habla Ángela en sus artículos, por qué es mejor no acercarse mucho cuando descubre un nudo en la lana o un error que le obliga a deshacer parte del proyecto, y, sobre todo, por qué cuando le digo algo mientras está tejiendo, su respuesta favorita es: “...cuatro, cinco, seis, siete...”. Que sigamos juntos a pesar de eso no deja de sorprenderme.

Esta es la primera entrega de Diario de un tejedor, una nueva sección del blog en la que yo, periódicamente, me dirigiré a vosotros para contaros mis avances y mis retrocesos, mis descubrimientos y mis errores. Será también la sección en la que aparezcan las fotos de mis primeras creaciones, algunas de las cuales espero que sean mínimamente presentables. En definitiva, trataré de plasmar todo el proceso de aprendizaje de esa técnica de la que he vivido rodeado pero de la que lo ignoro casi todo.

Quiero poder llevar algo tejido por mí, quiero poder ir a una reunión de Alhambra Knits (por alguna extraña razón, siempre me ha gustado estar rodeado de mujeres) y, para qué negarlo, quiero que la próxima vez que Ángela me diga algo importante, pueda contestarle: “...siete, ocho, nueve, diez...”.

Nace Lost In Translation, fiesta Erasmus en Boogaclub

2011-10-26T14:20:00.000-07:00

LOST IN TRANSLATION: TU OTRA FIESTA ERASMUS EN GRANADA

The best of Erasmus parties… ¡but with good music! You no longer have to listen to the same commercial music over and over to dance with your Erasmus friends. Lost In Translation, in Boogaclub, is what you have been looking for since you arrived to Granada and started to discover its nightlife. Special nighs with music from Spain, United Kingdom, France, Italy, Brazil, Cuba, Mexico… Don’t feel musically stranded anymore: if Bill Murray and Scarlett Johansson did it in Tokyo, we can do it in Granada. Free pass with your Student Card after midnight. Open until 07:00. Probably the best place to spend you Saturday nights if you like good, danceable music.

Lost In Translation es una noche de club pensada para Erasmus y, de manera general, para todos aquellos estudiantes que pasen el curso 2010-11 en Granada. Nace como alternativa a aquellas fiestas que ya se celebran en la ciudad pero en las que la música es una sucesión de canciones comerciales que suenan a todas horas en las radios generalistas. Por algo su eslogan es “Tu otra fiesta Erasmus en Granada”. Su propósito es doble, y el principal es ofrecer una selección interesante desde un punto de vista artístico, estimulante, original, imprevisible, pero invariablemente pensada para mantener la pista llena. Su segunda característica, que también es el aspecto que la diferencia de otras fiestas Erasmus, es que la música se centrará cada noche en dos países.

Adoramos a los (buenos) artistas estadounidenses, pilares básicos para entender la música popular del siglo XX, pero ya suenan habitualmente en todas partes y especialmente en los clubs del resto del mundo. Bien, pues en Lost In Translation nos centraremos en otras latitudes, en piezas cantadas en español, francés, italiano, portugués..., y sí, también en inglés, cómo no.

Lost In Translation se celebra los días 5, 12 y 19 de Noviembre, en Boogaclub, una de las salas con mejor oferta musical de Europa ―sí, no sólo de Granada―, y está abierta a todos aquellos melómanos que quieran escuchar sesiones diferentes a la par que bailables. Los Erasmus, eso sí, tienen una pequeña ventaja: entran gratis presentando el carnet de la Universidad a partir de las 24:00. Erasmus, pero también Séneca y el resto de estudiantes de movilidad.

Las sesiones comenzarán en torno a las 01:00, y concluirán tres horas después, tiempo en el que sonará una selección centrada en la música negra, como no podía ser de otra forma en Boogaclub. Ahora bien, prepárate para sorpresas y para una generosa dosis de variedad estilística: no todo serán sonidos negros.

En definitiva, si eres Erasmus y estás harto de fiestas en las que suenan los temas de siempre, si quieres pasártelo bien sin tener que escuchar música vulgar, ya tienes la solución: Lost In Translation. Y ni que decir tiene que serás más que bienvenido si hace tiempo que acabaste tus estudios pero aprecias sesiones diferentes: no es exclusiva para Erasmus.

El Club:

Boogaclub es una sala creada en el 2006 por José Gustavo Cabrerizo, aka Falconetti, e Isidro Sánchez, aka Sr. Lobezno, que también son los responsables del imprescindible club hermano Afrodisia Club. Desde entonces se ha convertido en uno de los locales de referencia para los amantes de la música negra. Además de contar con buena parte de los mejores pinchadiscos de la escena internacional, por su escenario han pasado destacadas propuestas como The New Mastersounds, Alice Russell, The Sweet Vandals, Speedometer, The Bongolian o The Pepper Pots.

El pinchadiscos:

Santiago Tadeo Cervera, director de contenidos de la web Acid Jazz Hispano, será el responsable de las sesiones Lost In Translation. Conocido por sus eclécticas selecciones, ha pinchado en los festivales Cultura Urbana (2008 ), Perejil’s Festival (2008 ) o Big Band Festival (2010), y en buena parte de las principales salas de música negra: Afrodisia Club, Planta Baja y Boogaclub (Granada), Dub Club y Black Note Club (Valencia), Marula Café, Moe Club, Kathmandu, El Junco, Clamores y The Maderfaker (Madrid).

Programación Noviembre:

Sábado 5:

Tras el concierto de Smoove & Turrell, sesión especial con música de España y Reino Unido. Funk, soul, jazzdance, yeyé, Twist, british invasión, merseybeat...

Sábado 12:

Tras el concierto de Glazz, sesión especial con música de Francia e Italia. Funk-soul-pop-rock-hiphop-afro-blacktrónica y todo lo que puedas imaginar, pero sobre todo en francés e italiano.

Sábado 19:

Tras el concierto de Los Escarabajos, banda de homenaje a The Beatles, sesión especial con música de Latinoamérica (Brasil, Cuba, Colombia, México...). De todo desde salsa dura a afro-samba, nueva cumbia a bossa-funk.

Bill Murray y Scarlett Johansson no se la perderían si sus respectivos compromisos cinematográficos

no se lo impidieran.

Boogaclub's Direction:

Calle Santa Bárbara 3. Google Maps.

Artículos relacionados:

Boogaclub.

Ver biografía de Santiago Tadeo Cervera

Crítica del libro In-Fusiones De Jazz

2011-05-03T21:42:00.000-07:00

No sé si será poco ético, pero desde luego sí es inusual que uno de los autores de un libro escriba una reseña sobre él. No obstante, dado que yo soy sólo uno de los siete, siento que eso me otorga cierta legitimidad para hacerlo. Por otra parte, prometo limitarme a describir, sucintamente, el contenido de mi capítulo, reservando mis impresiones para los demás. La publicación en cuestión, In-Fusiones De Jazz, pretende ofrecer una mirada a la historia del jazz, especialmente a partir de la segunda mitad del siglo XXI hasta nuestros días. Ahora bien, el enfoque elegido es muy particular, dado que otorga el protagonismo a su vertiente europea y, más importante aún, a esa extraordinaria cualidad que posee el género como música de fusión, de ahí el ingenioso título. Evidentemente, este no es el libro que necesita alguien que quiera una introducción a la historia del jazz. No es ni una obra académica ni mucho menos un manual. Posiblemente incluso espante a la facción purista-clásica de la crítica jazzística, y es justamente eso lo que me resulta tan atractivo. Qué voy a decir yo, pensaréis, cuando mi nombre figura en la portada. Está bien, acepto que esa sospecha permanecerá en esta reseña hasta el final. Dicho esto, no creo que vaya a ser más subjetivo de lo que soy... Seguir leyendo.

Crítica de Fly, de Laurent De Wilde y Otisto 23

2011-02-14T22:12:00.000-08:00

Laurent De Wilde y Otisto 23.
FLY.
DTC Records.
Edición: 2010.
Estilo: Nu-Jazz; Electrónica Experimental.

En ocasiones es bueno que un álbum sea continuista, que explore el mismo territorio sonoro, estético y conceptual que el precedente del mismo autor, y este es uno de esos casos. Laurent De Wilde y Otisto 23 volvieron a reunirse en un estudio tras el excelente y estimulante PC Pieces (Nocturne, 2007), y ambos lo hicieron al frente de sus respectivos instrumentos: el piano y el ordenador. El procedimiento adoptado en Fly también fue el mismo, de modo que el primero interpretaba el piano ―sobre todo las teclas, pero también cualquier otro elemento del instrumento susceptible de generar sonido―, el segundo procesa el sonido en el ordenador ―lo samplea, transforma, retuerce...―, y entre uno y otro se establece un creativo diálogo. El atractivo de la idea consiste justamente en plantear un inusual diálogo entre un instrumento tradicional, el piano, y un ordenador, dado que en manos de Otisto 23 adquiere la función de instrumento, sólo que de manera no tradicional. El ejercicio se basa, sobre todo, en la improvisación, en la interacción entre acústica y electrónica, en una íntima fusión de ambos lenguajes cuyo éxito último es crear un tercer lenguaje fruto de la unión de ambos o, al menos, de debilitar sus fronteras

Fly es una continuación de PC Pieces, una obra que comienza donde llegó la experimentación del primer encuentro. Ahora bien, aunque no veo que tenga más de evolución que de repetición, sí se aprecia una clara voluntad de ir más allá, de seguir exprimiendo la interacción. Esta segunda colaboración tiene mucho de asentamiento de una idea, y la principal diferencia respecto a la primera es la confianza y entendimiento que dan años de periódicas actuaciones. Los elementos acústicos y electrónicos están aquí mejor integrados, se complementan unos a otros, y es evidente que la complicidad entre Laurent De Wilde y Otisto 23 es mayor aquí. Ahora bien, matices aparte, el dúo no exploró nuevos territorios sonoros, aunque en vista de que este nuevo encuentro es igualmente interesante, dudo que eso deba interpretarse como una carencia. Sí, no repite el efecto sorpresa de PC Pieces, pero tampoco creo que un melómano en busca de música aventurada eche de menos eso. Por otra parte, y aunque esto último sea anecdótico, este álbum pasará a la posteridad por convertir en materia creativa una invasión de moscas al estudio. No, no es una broma, podréis encontrar información al respecto en la red sin mayor dificultad.

Este es el tracklist del CD:

Intro. 1:24
Sorry george. 5:21
Lost. 3:09
Jazz me i'm infamous. 6:15
Hiphex blues. 8:39
Good cop bad coop. 4:26
Blat seven. 4:23
Geek no geek. 6:12
Eau de mouche n°5. 1:38
To break the ice. 4:34
11 Outro. 1:18

9/10

V Premios Acid Jazz Hispano 2009: Los Ganadores

2010-03-12T09:03:00.001-08:00

Ya conocemos los ganadores de la quinta edición de los Premios Acid Jazz Hispano, cuyo plazo para votar acabó el 2 de Marzo del 2010. El principal triunfador de los V Premios Acid Jazz Hispano 2009 es el grupo venezolano Los Amigos Invisibles, que obtiene cuatro premios, incluyendo los dos más importantes, mejor álbum y mejor artista del año, además del de mejor tema, por Viviré para ti, que figura en el disco ganador, Commercial. También han ganado, en las diversas categorías, Havana Cultura: New Cuba Sound, compilada por Gilles Peterson; el sello Freestyle Records; el grupo revelación Los Fulanos; la sala Boogaclub; la revista Soul Nation; el festival Imágina Funk 2009; el pinchadiscos Sr. Lobo; Fundación Tony Manero... Felicidades para el resto de premiados y para todos los que estuvieron nominados. Ver ganadores.

Crítica de Simbiosi, de The Gramophone Allstars

2010-03-12T08:59:00.000-08:00

The Gramophone Allstars.

SIMBIOSI.

Liquidator Music. (LQ 039)

Edición: 2010.

Estilo: Ska; Reggae; Jazz Vocal; Boogaloo; Soul; Swing.

Interesará a…: los que quieran conocer un disco de jazz que mira a Jamaica.

The Gramophone Allstars debutó con un álbum, titulado Just Delightin’ (Brixton Records, 2008 ), que no he escuchado en el momento en el que escribo esto. Sin embargo, dado que sí he tenido el placer de descubrir el segundo trabajo de la formación catalana, estoy convencido de que debe ser muy interesante, porque Simbiosi es muy atractivo. Jazz e influencias jamaicanas integradas en una atrevida y personal obra concebida como si se tratase de un vinilo, con dos caras que la carátula trasera se encarga de identificar. La Cara 1, titulada “Aromes Jamaicanes”, abarca las piezas 1 a 6. La Cara 2, titulada “Atmosferes Jazzístiques”, se compone de los cortes 8 a 13. Entre ambas caras, una breve pieza improvisada de transición, Interludi. Ahora bien, esa clara división no tiene un reflejo evidente en la música, puesto que, como imaginaréis, en la cara A esos aromas jamaicanos están integrados en un contexto jazzístico, mientras en la cara B las atmósferas jazzísticas introducen influencias jamaicanas. Porque no, no se trata de una fusión equilibrada de ambos géneros, pues The Gramophone Allstars privilegia el jazz, algo que se aprecia con la elección del repertorio: versiones de composiciones de Horace Silver, Duke Ellington, Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Cole Porter, George Gershwin, Paul Desmond… Una combinación de estándares jazzísticos y clásicos inmortales del american songbook, junto con tres originales firmados por el líder del grupo, Genís Bou. Nada que sorprenda de una propuesta denominada The Gramophone Allstars y que añora el vinilo.

Pero el cariz jazzístico de la obra no lo aporta únicamente el repertorio, sino, sobre todo, cómo es interpretado. Por lo pronto, tras los necesarios ensayos, The Gramophone Allstars grabó Simbiosi con todos los intérpretes reunidos en el estudio, de modo que la interacción ya es un factor que entra en juego. Además, los arreglos están concebidos de tal modo que dejan espacio para la improvisación y, en menor medida, para la sucesión de solos. Eso sí, el énfasis nunca está puesto en la técnica de los intérpretes, no es un álbum que ahonde en el virtuosismo, sino en su capacidad para interpretar una música que versiona creativamente clásicos del jazz. En esa reinterpretación, la presencia de elementos tomados del reggae, especialmente los característicos ritmos ska, juegan un rol esencial, pero es un recurso que The Gramophone Allstars ni siquiera emplea en todos los temas. Ese toque jamaicano es un atractivo más, desde luego, pero su originalidad ya reside en la facilidad con la que la banda se apropia de conocidísimas piezas y les da un nuevo enfoque.

Interesante álbum que debería atraer a amantes del reggae con la mente abierta, además de, por supuesto, a cualquier aficionado del jazz. Por otra parte, Simbiosi ofrece una excepcional oportunidad de lucimiento para la prometedora vocalista Judit Neddermann. Aquí no siempre convence, pero cuando lo hace es evidente que la chica tiene talento.

Créditos:

Genís Bou: saxo tenor, flauta, arreglos, mezcla.

Andrés Tosti: trompeta.

Sidru Palmada: trombón.

Judit Neddermann: voz.

Jordi Casadesús: guitarra.

Elio Escudé: piano y teclados.

Vic Moliner: contrabajo y bajo eléctrico, arreglos tema 8, mezcla.

Alix Bou: batería.

Joan Díaz: piano.

Jon Robles: saxo solista.

Lluc Casares: saxo barítono en temas 1 y 3.

Carlos Cuenca: congas y percusión menor en temas 2 y 6.

Pere Aguilar: grabación, mezcla.

Marc Tena: masterización.

Este es el tracklist del CD:

1. I’ll Be Around.

2. Song For My Father.

3. Love You Like A Woman.

4. Pest’s Sounds.

5. In A Sentimental Mood.

6. Shoot Me With Your Smile.

7. Interludi.

8. Whisper Not A La Boplonyesa feat. Jon Robles.

9. Time.

10. Love For Sale.

11. Nana per la Rita.

12. Summertime.

13. Take Five feat. Joan Díaz.

8/10

Enlace Permanente.

Discográfica.

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Elkano Browning Cream

2010-03-12T08:57:00.000-08:00

Elkano Browning Cream es un trío integrado por el donostiarra Mikel Azpiroz (Rhodes, órgano Hammond, sintetizador, programación, Wurlitzer…), el parisino Franck Mantegari (batería, percusión) y el neoyorquino Matt Harding (guitarra, voz). Este interesantísimo conjunto, simplemente por su formato, ya remite a los legendarios tríos jazzísticos de Hammond de Blue Note o Prestige Records de los 60/70, y es evidente que esa es una influencia, un punto de partida. Sin embargo, el principal objetivo del grupo parece ser justamente reinterpretar el trío tradicional, situar el Hammond, entre otros órganos y teclados, en un contexto netamente diferente del habitual. Al estilo de propuestas contemporáneas como Medeski, Martin & Wood o Soulive, Elkano Browning Cream basa su atractivo en su personal concepción de tan clásico formato, y lo hace poniendo el énfasis en las composiciones y la compenetración, no tanto en la sucesión de solos y alardes de virtuosismo. No obstante, posiblemente el mayor rasgo distintivo sea su amplitud de miras estilísticamente hablando, pues al esperado soul jazz se suman incursiones en estilos tan variados como el blues o el easy listening, elementos tomados de las músicas tradicionales latinas, brasileñas, africanas u orientales y, finalmente, aunque en menor medida, uso de electrónica y samples de voz. Estimulante propuesta.

El trío se formó en el 2005, cuando Mikel Azpiroz (conocido por su proyecto Parafünk y colaborador de Fermin Muguruza o The Waifs…) coincidió en escenarios estadounidenses con Franck Mantegari (Alpha Blondy, St Germain, Massive Attack...) y Matt Harding, cuyas interpretaciones habían sido alabadas por John Lee Hooker y Taj Mahal. Juntos viajaron hasta Shanghai, China, para ofrecer una serie de conciertos en el Cotton Club, y fue allí donde comenzó la grabación de su álbum debut, Elkano Browning Cream, editado por el sello Mamusik, fundado por Mikel Azpiroz para editar “trabajos creados desde la absoluta independencia artística y ejecutiva”. Ese primer trabajo fue presentado en escenarios de todo el mundo, incluyendo el paso por el 41 Heineken Jazzaldia 2006. El 22 de Febrero del 2010, Mamusik edita el segundo trabajo, Elkano Browning Cream 2, en el que colabora el grupo australiano The Waifs y en el que se escuchan samples vocales de Mikel Laboa e Isabel Loroño. Durante el mes de Marzo, el trío realiza una extensa gira por España, con fechas en Jamboree, Sala Juglar, Victoria Eugenia Club, La Boca Del Lobo, Tempo Club…

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

V Premios Acid Jazz Hispano 2009: ¡Las nominaciones!

2010-02-08T09:51:00.001-08:00

Un año más, y ya son cinco, es un placer para nosotros organizar los Premios Acid Jazz Hispano, un evento al que, de nuevo, está invitada toda la buena música. Pretendemos premiar algunas de las propuestas más interesantes del 2009 en toda una serie de categorías, incluyendo las estrictamente discográficos pero también todas aquellas relacionadas con el mundo de la música. De nuevo, ampliamos el número de categorías, aunque esta vez únicamente sumamos una más, la correpondiente a mejor disco autoeditado, que sometemos a votación por primera vez, pues el año anterior el ganador fue designado por la redacción de Acid Jazz Hispano. Por último, por segunda vez desde que instauramos los premios, las nominaciones han sido determinadas a partir de los votos de los miembros de la redacción de la web, de modo que esta vez sólo os pedimos un esfuerzo, que es el de votar a vuestros favoritos de la lista de nominados. El plazo para votar en los V Premios Acid Jazz Hispano acaba el 2 de Marzo del 2010, éste incluido, de modo que ya podéis echar un vistazo a los nominados y votar por vuestros favoritos aquí. Recuerda que para votar necesitas estar registrado, cosa que puedes hacer en dos minutos aquí. Ver nominaciones.

Crítica de Adding Strangeness To Your Sense Of Beauty Since 1998

2010-02-08T09:47:00.000-08:00

Poetic Babies.
ADDING STRANGENESS TO YOUR SENSE OF BEAUTY SINCE 1998.
Gaztelupeko Hotsak. (GH 160)
Edición: Diciembre 2009.
Estilo: Downtempo; Broken Beat; IDM; Drum & Bass.
Interesará a…: los que aprecien las obras arriesgadas y experimentales.

He aquí un álbum sorprendente. También estimulante, atractivo de principio a fin y personal, pero, sobre todo, sorprendente. Adding Strangeness To Your Sense Of Beauty Since 1998, acertado hasta en el título, es el debut de Poetic Babies, la criatura musical creada por Mikel Andonegi con la colaboración de John Roggie. No obstante, no es precisamente el primer larga duración en el que participó Andonegi, pues llevaba más de dos décadas de actividad musical, formando parte de muchos y muy diversos proyectos. Posiblemente fue esa facilidad para involucrarse en conjuntos muy diferentes desde el punto de vista estilístico la que se refleja en este disco, tan ecléctico como particular. El autor lo presenta como una mezcla de “dance, R&B, jazz, electrónica, acústica, hip hop… y política”. Necesariamente, unos elementos resultan más evidentes que otros (los comentarios socio-políticos, por ejemplo, sí son de los protagonistas), pero Adding Strangeness To Your Sense Of Beauty Since 1998 es, en efecto, una obra de fusión, un atrevido, ambicioso pero logrado ejercicio de integración de múltiples estilos y concepciones de la música. Ese es uno de los aspectos por los que resulta sorprendente, pero no el único.

Por lo pronto, escuchar una obra de cariz predominantemente electrónico como parte del catálogo de Gaztelupeko Hotsak sí es sorprendente, pues el sello vasco no suele explorar esa vertiente. Sí, por entonces ya existían los precedentes de Jimmy Bidaurreta y, en menor medida, Mamba Beat, pero Poetic Babies seguía siendo un rara avis. Por otra parte, y una vez que ya lo he mencionado, no está de más destacar la participación del hiperactivo Bidaurreta, responsable de la producción y de la coescritura de los dos primeros temas, los llamativos Metamorphical y Brand New Life. No es aventurado afirmar que la participación del autor de una obra tan marciana como Cosmonaut Camel (Gaztelupeko Hotsak, 2008 ) pudo ser decisiva en un disco, Adding Strangeness To Your Sense Of Beauty Since 1998, igualmente peculiar. Asombra que un pianista especialmente asociado al ámbito jazzístico, cuya técnica se escucha bien en Kathary In My Heart (Live), por ejemplo, proponga un decidido acercamiento a la electrónica, incorporando bases rítmicas tomadas del drum & bass o del broken beat, recordando incluso a los frenéticos beats del IDM de Aphex Twin o Funkstörung. También se escuchan ecos del neo-soul tal y como lo reinterpretan Viktor Davies o Georgia Anne Muldrow, pero son sólo vagos referentes, improbables influencias, porque Poetic Babies difícilmente acepta una clasificación estilística alguna. También hay aspectos que remiten al hip hop, melodías entre pop y jazz vocal y letras recitadas al estilo ‘poetry’, y todo eso en un mismo disco, en poco más de media hora.

Melómanos inquietos con afán de explorar encontrarán en Adding Strangeness To Your Sense Of Beauty Since 1998 una obra más que recomendable.

Créditos:
Mikel Andonegi: voz, teclados, pianos, programación base rítmica, producción.
John Roggie: programación base rítmica, teclados adicionales, producción.
Jimmy Bidaurreta: producción.
Samuel Navel: ingeniero.
Andrew Tulloch: masterización.
Txarly Brown: diseño.

Este es el tracklist del CD:

Metamorphical.
Brand New Life.
Nothing But Love (Live).
Secret.
Nation Schizo.
Grab Your Soul.
Feel My Blood.
Kathary In My Heart (Live).
Axiom.
Time.
Blood&Memory.
Act.
Lovechild Susan Sontag.

9/10

Enlace Permanente.

Discográfica.

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Chart Acid Jazz Hispano Enero 2010

2010-02-08T09:46:00.000-08:00

(Sin orden de preferencia)

1. Jailhouse rap. The Fat Boys. Sutra Records/ Wea Records/ Disques Vogue.
2. Wish I Was A Bass. Candice Monique And The Optics. Freestyle Records.
3. Dr. Bonnie – Mr. Clyde. Emphasis. Sonorama Records.
4. I Was Love. Scrimshire. Wah Wah 45s
5. Amor de bolero. Alain Pérez. Globomedia Música.
6. Polinesia. Caradefuego. Irma Records.
7. Sometimes (Commercial Man Edit). Minus 8. Edel Records.
8. It Gets Better. Miles Davis. Columbia Records/ Sony Music.
9. No Need To Rumble. Nekta. INFRACom!
10. Odetualette patulojette. Papilemon.

Crítica de Offering, de Marc Mayza

2010-01-13T12:15:00.000-08:00

Marc Mayza.
OFFERING.
Fresh Sound New Talent. (FSNT 321)
Edición: 2008.
Estilo: Fusión; Soul Jazz; Jazz-Rap; Neo-Soul.
Gustará a…: los que aprecien un debut ambicioso.

Para su debut, el batería Marc Mayza decidió adentrarse en el peliagudo territorio de la fusión de jazz y hip hop. Pero no, no es precisamente “otro álbum de jazz-rap”. Sí, es uno de los que he puesto en el apartado de estilos del disco, pero lo he hecho porque es más sencillo utilizar una etiqueta que ya existe antes que pensar en otra que sirva mejor para definir una música que si a algo no suena es a jazz-rap. Yo no he pensado para dar con un nombre mejor, pero el autor de Offering sí lo ha hecho para crear una nueva concepción de la música que aúna jazz y hip hop. Lo que se escucha aquí no tiene que ver ni con el jazz-rap al que se llega desde el hip hop (The Roots, De La Soul, Guru, Us3…), ni con su vertiente jazzística (Miles Davis, Bill Evans…). Por supuesto, no nace de la nada y nadie puede presumir de no haber recibido ni una sola influencia, pero el debut de Marc Mayza sorprende, entre otras cosas, por ser asombrosamente original, por sonar, más que personal, inédito. La fórmula de partida, que consiste en juntar a jazzmens con un rapero en un mismo estudio, se repite aquí, pero de manera muy relativa, porque el rapero, Core Rhythm, se limita a recitar las letras que escribió para dos cortes, y sólo participa en esos dos cortes. Así pues, la mayor parte de elementos del hip hop no provienen de un MC, sino del inspirado trabajo a los platos de Helios, que ofrece una colección de scratches bien planteados, y de los patrones rítmicos de Mayza, que parece tener más recursos que algunas de las más sofisticadas cajas de ritmos.

En Offering, no obstante, el jazz-rap, este peculiar e innovador jazz-rap, es sólo uno de los intereses del batería, pues el conjunto es una aventurada e imaginativa obra de jazz fusión en el que también intervienen la integración de jazz y soul y la voluntad de reinterpretar el soul clásico, que son cuestiones diferentes aunque cercanas. Lo más interesante es este segundo apartado, cuyo punto culminante no es, contrariamente a lo que se podría pensar por su título, el bello tema dedicado a Marvin Gaye, sino aquellos en los que se dan cita elementos del soul y los patrones rítmicos del hip hop, esto es, el punto de partida del neo-soul. Un buen ejemplo es el adictivo Juanito’s groove, que puede servir como trailer de Offering, como reclamo y declaración de intenciones al mismo tiempo. En fin, dado que lo importante es escuchar la música y, por tanto, no quiero robaros más tiempo, terminaré afirmando que Marc Mayza se revela como un talentoso intérprete, compositor y líder de grupo, y que de este grupo destaca sobremanera el pianista Roger Mass, tan convincente al piano como en varios de sus más ilustres equivalentes eléctricos.

Créditos:
Marz Ayza: batería, producción y composición.
Roger Mass: piano, fender rhodes, Hammond B3 y Nord Lead II en tema 10.
Tom Warburton: contrabajo.
Helios: platos.
Core Rhythm: voz y letras en temas 1 y 7.
Jordi Pujol: producción ejecutiva.
Mike Marciano: grabación, mezcla y masterización.

Este es el tracklist del CD:

Offering. 3:43
Matilda. 8:44
Sister in love. 6:43
Marvin Gaye. 9:08
So far to go. 0:48
Embrace. 8:44
Juanito’s groove. 6:48
Ego dance. 2:22
Jalish. 12:09
Hotel Alexander. 12:20
Outro. 1:49

Duración total: 1:13:18

9,5/10

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Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Crítica de Havana Cultura: New Cuba Sound, de Gilles Peterson

2009-12-07T08:38:00.000-08:00

Gilles Peterson.
HAVANA CULTURA: NEW CUBA SOUND.
Brownswood Recordings.
Edición: 26 Octubre 2009.
Estilos: Jazz Latino; Jazz Afro-Cubano; Hip Hop; Funk; Salsa; Reggaeton.
Interesará a…: los que quieran ampliar su cultura musical.

En el 2008, a Gilles Peterson le ofrecieron producir un álbum, en La Habana, que reflejase la influencia del hip hop, el R&B y el dancehall jamaicano en la música tradicional cubana, esto es, que representase la vertiente urbana de la música contemporánea. Quién le convocó fue Havana Cultura, proyecto artístico de la asociación Havana Club. Peterson que, como prácticamente todos los melómanos, siempre está dispuesto a descubrir buena música, visitó por primera vez La Habana en el 2008, y allí se dedicó a lo que mejor sabe hacer: mantener los oídos bien abiertos e ir seleccionando lo que le parecía más interesante. Volvió para Londres con una maleta bien cargada de discos y durante meses trató de asimilar una cultura musical que no conocía tan bien. De vuelta a Cuba, y con la ayuda de Roberto Fonseca y Vince Vella, reunió a algunos de los mejores músicos de la ciudad (el percusionista Yaroldy Abreu, el batería Ramses Rodriguez, el bajista Omar Gonzalez, el saxofonista y flautista Javier Zalba y el trompetista Yelfris Valdés), creando así la Gilles Peterson’s Havana Cultura Band. El disco se grabó en los estudios Egrem, es decir, dónde antes grabaron prácticamente todos los grandes de la música cubana y, más recientemente, el celebérrimo proyecto Buena Vista Social Club (World Circuit, 1998 ). Claro que el propósito de Gilles Peterson era justamente alejarse del fenómeno Buena Vista Social Club, maravillosa asociación de talento que, no obstante, se centró en la música tradicional cubana. El gurú de la BBC, en cambio, quería reflejar las nuevas corrientes musicales de la isla, su vertiente urbana, una escena mucho más abierta al resto del mundo y, particularmente, a las influencias llegadas de Estados Unidos.

Havana Cultura: New Cuba Sound, la más ambiciosa de las referencias editadas por Brownswood Recordings hasta entonces, incluye también un segundo disco con la selección realizada por su director y creador, Gilles Peterson, tras sus visitas a Cuba, es decir, con los temas que le inspiraron para crear el álbum de estudio. Quizá esté feo decirlo, pero este segundo disco es bastante más estimulante que el primero, es el que con más acierto captura la música contemporánea de la isla, especialmente su faceta urbana. La selección de hip hop, jazz afro-cubano, soul, funk, (neo)salsa y hasta reggaeton, por nombrar sólo algunos de los estilos más reconocibles, es tan sorprendente como seductora, un ecléctico panorama que evidencia la riqueza y efervescencia de la escena. Es comprensible que Gilles Peterson se sintiera atraído por un proyecto como éste y quisiese reunir a algunos de estos músicos en la Havana Cultura Band. Es evidente que su intención, con el álbum de estudio, fue tratar de reproducir las innovaciones de las diversas propuestas que escuchó (las incluidas en el segundo disco), concretar esas diversas vertientes en un nuevo tipo de música, una suerte de fusión de jazz afro-cubano, rumba cubana, soul y hip hop. Desde luego, es una apuesta valiente, innovadora, un interesante punto de partida para futuras grabaciones, pero da la impresión de quedarse lejos de lo que podría haber sido. No es, eso seguro, un nuevo Buena Vista Social Club en clave urbana, y el conjunto suena más tradicional de lo que a Gilles Peterson le hubiera gustado. En el segundo disco hay ejemplos más logrados de la fusión que intentó el director de Brownswood Recordings, grabados con menos medios y menos ambición, pero quizá por eso resultan más convincentes. Con todo, es evidente que supo reunir talento (la concentración de mentes privilegiadas por metro cuadrado debió de ser excepcionalmente alta durante la grabación del disco), que realizó un buen trabajo como productor y que la sucesión de invitados es muy afortunada.

Dicho esto, lo más importante de esta crítica es la siguiente petición: haceos el regalo de escuchar Havana Cultura: New Cuba Sound. Este es uno de esos casos en los que importa poco que os guste más o menos, lo esencial es descubrir una escena musical poco conocida (por poco exportada, debido a las razones que de sobra conocéis) pero repleta de talento. Además de que, forzosamente, abre nuevos horizontes sonoros, nos expone a artistas tan prometedores como Doble Filo, Harold López Nussa o Danay (que Gilles Peterson describió como la Jill Scott cubana). Un álbum como éste es la mejor manera de darle la espalda, aunque sólo sea momentáneamente, a la música que tratan de imponer, y con mucho éxito, las majors.

Este es el tracklist:

Disco 1: Gilles Peterson’s Havana Cultura Band:
Pa’ gozar. 4:14
Arroz con pollo. 3:31
Roforofo fight feat. Mayra Caridad Valdés. 5:58
Ipacuba feat. Danay Francis Del Rio And Julio Padrón. 6:30
La revolución del cuerpo part 1 feat. Ogguere Danay And Obsesion. 4:28
La revolución del cuerpo part 2 feat. Roberto Fonseca. 6:14
Lágrimas de soledad (no existen palabras) feat. Danay. 4:18
Think Twice feat. Danay And Obsesion. 6:14
Chekere Son feat. Mayra Caridad Valdés. 5:33
Afrodisia. 3:51
Mami. 3:47
Rezando. 4:46

Disco 2:
La revolución del cuerpo. Ogguere. 4:41
Homenaje a Benny Moré. Gente De Zona. 3:59
Listos pa la lucha. Free Hole Negro. 3:23
La perla del son. Wichy de Vedado. 5:20
Candao cerrao. Yusa. 3:31
Acompáñanos. Kumar. 4:15
Me lastimas. Obsesion. 3:04
Individual. Danay. 3:27
Para el borrador. Los Aldeanos. 6:29
Amor internacional. Doble Filo. 4:17
Por un milagro. Cubanito 20 02. 3:39
Sentimiento. Francis Del Rio. 4:17
Que tú te crees. Doble Filo feat. Pepito. 4:58
Punala. Descemer Bueno And Kelvis Ochoa. 3:48
Spiritual sin egoísmo. Telmary Diaz. 4:02
La jungla. Harold López Nussa. 5:40

Enlace original.

Discográfica.

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Web oficial.

9/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Crítica de Inspiration Information, de Jimi Tenor y Tony Allen

2009-11-12T04:17:00.000-08:00

Jimi Tenor y Tony Allen.
INSPIRATION INFORMATION.
Strut Records. (STRUT043CD)
Edición: 16 Octubre 2009.
Estilo: Afrobeat; Reggae; Afro-Jazz; Afro-Funk.
Interesará a…: los que no quieran perderse una de las mejores entregas de la serie Inspiration Information.

El concepto de los álbumes titulados Inspiration Information es tan sencillo como atractivo: dar la oportunidad a un productor de colaborar con un artista que admire. Inauguró la serie la asociación de Amp Fiddler con Sly & Robbie, y le siguieron las uniones de Ahsley Beedle con Horace Andy, y de Mulatu Astatke con The Heliocentrics. A finales del 2009, el reactivado sello Strut Records propuso la cuarta entrega, el Inspiration Information que reunió en un mismo estudio a Jimi Tenor y Tony Allen. Evidentemente, el primero es el productor y el segundo es el artista admirado, y comprensiblemente admirado, además. Es posible que el baterista nigeriano no sea la elección más obvia de músico, Jimi Tenor, que se pasó buena parte de los 90 creando electrónica experimental. Sin embargo, la discografía del finlandés es inclasificable, es la obra de un talentoso y camaleónico artista que no deja de sorprender: bastará con recordar que llegó a grabar álbumes con orquestas para Warp Records (Out Of Nowhere, 2000), o que reinterpretó en clave electrónica parte del catálogo de Deutsche Grammophon (Deutsche Grammophon Recomposed, 2006). Pero ese no fue más que el principio, pues cuando Inspiration Information llegó a las tiendas, ya había desarrollado su particular visión del afrobeat en dos álbumes, Joystone (Sähkö Recordings, 2007) y 4th Dimension (Sähkö Recordings, 2009). Sabiendo esto, es fácilmente explicable que su elección fuese el nigeriano Tony Allen, uno de los creadores del afrobeat, junto a Fela Kuti, y posiblemente el principal artífice de su característico poliritmo.

Tanto Jimi Tenor como Tony Allen contaban ya con un álbum de estudio en el 2009 (el ya mencionado 4th Dimension y Secret Agent respectivamente), pero este Inspiration Information supuso la culminación del que fue recordado como un gran año para ambos. No creo que sea muy arriesgado afirmar que fue uno de los mejores álbumes de la discografía de los dos artistas. En el caso de Jimi Tenor, fue el más logrado de sus personales acercamientos al afrobeat, por razones obvias: es un privilegio contar con uno de los creadores del estilo. En el caso de Tony Allen, fue una más de sus afortunadas asociaciones y le brindó la posibilidad de interpretar la batería en un contexto diferente del habitual en los álbumes que firma como líder. Y es que este Inspiration Information no ofrece afrobeat al estilo clásico, pues nunca fue ese el propósito de Jimi Tenor. Su interés por el estilo pasa por la reinterpretación, por el filtro de un productor de electrónica que quiere hacer de su música un asunto cada vez más orgánico. De hecho, más que el de un verdadero encuentro entre dos artistas que, conjuntamente, se pusieron a interpretar música desde cero, el resultado álbum es continuista respecto a los dos anteriores de la discografía del finlandés. Es otro trabajo con su banda Kabu Kabu (con la que había grabado Joystone y 4th Dimension), sólo que con Tony Allen como invitado de lujo. Pero poco importa, porque es una colaboración muy estimulante, uno de los discos de afrobeat más imaginativos e innovadores del siglo XXI, un afrobeat que incluye momentos muy funkys (como el afro-funk de Sinuhe o Got my egusi fix), pseudo-rap (cortesía del MC Allonymous), reggae, como en el atractivo Path to wisdom, o una ambiciosa pieza final Three continents, que, por duración y estilo, sí remite a los primeros años del estilo, a los clásicos de Fela Kuti a principios de los 70.

Nota: para los que quieran un atajo, aconsejo acudir directamente a Selfish gene. Ahí queda claro que la unión de Jimi Tenor y Tony Allen funciona, además de ser muy divertido escuchar cantar al finlandés.

Este es el tracklist del CD:

Against the wall. 4:39
Sinuhe. 6:13
Selfish gene. 3:49
Path to wisdom. 5:49
Darker side of night. 6:56
Mama England. 5:11
Got my egusi fix. 7:59
Cella’s walk. 5:17
Three continents. 13:51

Duración total: 59:44

9/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web http://www.acidjazzhispano.com/

Mi relación con la música actualizada: temporada 2008-2009

2009-11-12T04:16:00.000-08:00

Quizá sea pronto para hablar de mi profesionalización, puesto que una parte de mí se muestra reticente a considerarme un profesional de la música, y posiblemente esa sea la parte más sensata. Sin embargo, de Noviembre del 2008 a Julio del 2009 estuve viviendo de la música, y relativamente bien, y desde el momento en que uno se gana la vida ejerciendo una determinada profesión, se supone que, automáticamente, se puede considerar parte de esa profesión, aunque su título universitario diga otra cosa. Además, para Hacienda figuro en la dudosa categoría profesional denominada 'montadiscos' (sí, no pinchadiscos, 'montadiscos', palabra de connotaciones erótico-festivas) y para el banco en el que ingresaba mi nómina figuro en la categoría 'músico'. Aunque ya llevaba varios años pinchando regularmente en salas con las que antes sólo podía soñar y colaborando en revistas que primero admiré como lector, fue a partir de Noviembre del 2008 cuando tuve mi primera experiencia profesional en el mundo de la... Seguir leyendo.

V Fiesta Acid Jazz Hispano: Sábado 18 Julio 2009 - Boogaclub (Granada)

2009-06-27T09:42:00.001-07:00

Poco más de un año después de la IV Fiesta Acid Jazz Hispano, que tuvo lugar el 23 de Febrero del 2008 en la sala granadina Boogaclub (la hermana pequeña, en edad, que no en tamaño, de Afrodisia Club), os presentamos la V Fiesta Acid Jazz Hispano, que se celebrará en la misma sala, el sábado 18 de Julio del 2009. Es la primera que organizamos dos fiestas consecutivas en el mismo club, ni siquiera habíamos repetido ciudad, pero en vista del éxito de la anterior, era una tentación demasiado grande no repetir. De hecho, quien estuvo en la IV Fiesta Acid Jazz Hispano comprenderá muy bien por qué volvemos: fue la mejor y más multitudinaria de las celebradas hasta entonces, y eso que las que tuvieron lugar en Afrodisia Club (Granada '06) Dub Club (Valencia '07) y La Moe (madrid, '07) también las recordamos con cariño. Para esta V Fiesta Acid Jazz Hispano, que comenzará a medianoche del sábado y se prolongará hasta casi las siete de la madrugada, volveremos a movilizar al Colectivo Acid Jazz Hispano, el colectivo de DJs de la web, que esta vez estará formado por Ángeles Gómez Ortega, Santiago Tadeo Cervera y Álex Sampedro... Más información y cartel.

Crítica de Revolucion! Original Funk Gooves 1967 – 1978

2009-06-27T09:38:00.000-07:00

Compilada por Tom Wieland.
REVOLUCION! ORIGINAL FUNK GOOVES 1967 – 1978.
Freestyle Records. (FSRCD056)
Edición: 20 Julio 2009.
Estilo: Son Cubano; Jazz Latino; Jazz Afro-Cubano.
Interesará a…: los que quieran conocer la música cubana más allá de Buena Vista Social Club.

En 1968, nueve años después de la revolución, el gobierno cubano instauró el plan denominado “ofensiva revolucionaria”. Dado que se trataba de una dictadura, la principal misión de este plan era controlar todas las actividades, todos los estratos y todos los aspectos de los cubanos, es decir, su vida. Se estructuraba a partir de unas previsiones de producción de caña de azúcar que nunca se alcanzaron, de modo que los primeros años de los 70 se conocieron como el quinquenio gris y tuvieron como principal consecuencia un control todavía mayor del gobierno, derivando en una mayor represión y, evidentemente, pérdida de libertad. La música no se libró del control, puesto que los músicos pasaron a percibir un salario del gobierno que, a cambio, determinada la frecuencia de sus actuaciones y grabaciones, su posesión de instrumentos, la formación de las bandas y, ante todo, su repertorio. No era, por tanto, una buena atmósfera creativa, de hecho, sobre el papel era todo lo contrario, pues a eso hay que añadir el aislamiento que padeció la isla, inclusive en lo relativo a la música, pues los oficiales cubanos prohibían las importaciones de grabaciones provenientes de países capitalistas. Sin embargo, la única manera de limitar la creatividad de un músico es matándolo, de modo que una serie de talentosos artistas lograron que se produjera una segunda revolución, pero estrictamente musical. Fue así como, durante los 70, se desarrollaron bandas que modernizaron la música cubana introduciendo influencias contemporáneas (a pesar de todo, es evidente que lograron escuchar grabaciones de otros lugares, especialmente de Estados Unidos), y fue también la década en la que se grabaron álbumes tremendamente influyentes en la música popular del resto del mundo.

El control de un régimen totalitario y la creatividad son conceptos opuestos que rara vez se llevan bien, pero este socialismo aplicado a la música, el hecho de que los intérpretes percibieran un salario a cambio de tocar en los “círculos sociales” y en las “casa de cultura”, tuvo su parte positiva. Para empezar, estos artistas podían dedicarse exclusivamente a lo que mejor sabían hacer, que era interpretar música, y podían hacerlo hasta 300 veces al año, una manera valiosísima de acostumbrarse a tocar para el público, algo que acabó reflejándose en las grabaciones de estudio. Por último, podían olvidarse de los criterios de comercialidad que regían en el mundo capitalistas, pues el número de actuaciones y sus ingresos no dependían de eso, de modo que podían desarrollar vertientes más experimentales e innovadoras sin preocupación alguna (más allá de la de ganarse el beneplácito del régimen, que tampoco debía ser algo muy agradable). En fin, que la música acabó triunfando, de modo que, a pesar de la cruda situación de la isla, siguieron gozando de buena salud creativa. Otra cuestión muy distinta fue su difusión o la calidad y cantidad de las grabaciones.

Tom Wieland, miembro de 7 Samurai y Panoptikum, es un peculiar compilador que parece ser un gran conocedor de muy diversos tipos de música. En el 2004 fue el autor de Panorama (Perfect Toy Records), selección de nu-phusion de los nuevos países de la Unión Europea, y cuatro años después volvió a ejercer esa misma labor con Elaste 02 (Compost Records), recopilatorio de space disco de finales de los 70. Y así llegamos hasta Revolucion! Original Funk Gooves 1967 – 1978, en el que ofrece sus servicios a un nuevo sello, el británico Freestyle Records, y en el que se interesa por una tercera escena: la música cubana desde finales de los 60 hasta finales de la década siguiente. Desde luego, la inquietud de Tom Wieland no parece conocer límites, cosa de la que nos alegramos. Su selección se centra en el catálogo del sello Areito, perteneciente a Egrem Records, discográfica controlada por el gobierno. Aunque no faltan las dos propuestas de mayor repercusión internacional, Orquesta Los Van Van y Grupo Irakere, expresamente relegadas a la parte final de la compilación, Tom Wieland privilegia la presencia de artistas y conjuntos algo menos conocidos, muchos de ellos olvidados incluso en Cuba. Y hay verdaderas sorpresas, piezas asombrosas por las que no parece pasar el tiempo, y otras algo envejecidas pero que debieron resultar rompedoras en el momento de su grabación. Descubrir a Orquesta Riverside, Los Brito en colaboración con la Orquesta Egrem (divertidísimo su Cuando llego a mi casa) o a Pello El Afrokan no tiene precio, y ese es el gran acierto del recopilatorio. Bueno, ese y la voluntaria huida de los estereotipos de la música cubana. Si, por supuesto que se escuchan fabulosas secciones rítmicas, esas características letras aparentemente inocuas y esas clásicas estructuras de solista-coro basadas en la repetición, pero la mayoría de los cortes son sorprendentes, alejados de lo que uno espera, en unos casos por funkys, en otros por vanguardistas, pero siempre por su personalidad.

Revolucion! Original Funk Gooves 1967 – 1978 incluye un libreto con un breve pero interesantísimo texto del alemán Dr. Cornelius Schlicke, un experto en música cubana que demuestro serlo en apenas unos pocos párrafos. De él me he copiado la mayor parte de información aparecida en esta crítica, así que suyo es todo el mérito.

Este es el tracklist del CD:

En casa del trompo no bailes. Orquesta Riverside.
Recital en descarga. Algo Nuevo y Juan Pablo Torres.
Limitacion. Grupo Monumental.
Adeoey. Los Reyes 73.
El contrabajo fantasma. Generoso Jimenez (Toyo).
Cuando llego a mi casa. Los Brito/ Orquesta Egrem.
Oye oyea. Grupo Los Caneyes.
Bailalo asi. Pello El Afrokan.
Baila guiro son wambari. Orquesta Maravillas De Florida.
Tú no me puedes conquistar. Grupo Los Yoyi.
Hasta la semana que viene. Orquesta Los Van Van.
Quindiambo. Grupo Irakere.

Duración total: 45:29

8,5/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

IV PREMIOS ACID JAZZ HISPANO 2008: ¡LOS GANADORES!

2009-04-10T20:16:00.000-07:00

El 3 de Febrero se puso en marcha una nueva edición de los Premios Acid Jazz Hispano, y justo un mes después, ha llegado el día que tanto (y tantos) estábamos esperando: el que nos permite desvelar cuales han sido los vencedores de los IV Premios Acid Jazz Hispano. El plazo para votar acabó el 28 de Febrero, y tras unos dias de recuento, ya estamos en disposición de anunciar quienes han sido los candidatos más votados en las 18 categorías: Madrid Boogie, de Venueconnection; Groovadelia 2; Tru Thoughts; Soul Vigilantes; Afrodisia Club; Gilles Peterson; Enlace Funk; Jazzanova; 43 Festival De Jazz De San Sebastián 2008; More Vibes!!!, de Mauri Sanchis; Incognito; Shine a light, de Satya Project... En fin, no podemos nombrarlos a todos aquí, así que lo mejor será que eches un vistazo a la siguiente página.

Crítica de Bare Bones, de Madeleine Peyroux

2009-04-10T20:14:00.000-07:00

Madeleine Peyroux.
BARE BONES.
Rounder.
Edición: 10 Marzo 2009.
Estilo: Jazz Vocal; Jazz Contemporáneo; Pop/Rock Alternativo.
Gustará a…: los que quieran conocer el universo compositivo de Madeleine Peyroux.

Siguiendo una evolución habitual en las vocalistas de jazz, tras incluir varias de sus composiciones en su anterior álbum, Half The Perfect World (Rounder, 2006), Madeleine Peyroux dedicó Bare Bones enteramente a sus composiciones. Firma los cortes en colaboración con otros artistas, pero en todos participa como compositora, algo inédito en su discografía. Es lógico que, tras más de una decáda interpretando estándards, sintiese el deseo de desarrollar su propia música, y no es un camino original precisamente, pues antes de ella fue recorrido por otras muchas destacadas vocalistas de jazz, con Diana Krall como ejemplo paradigmático y cercano, pues ambas comparten talento y éxito comercial. El logro de Madeleine Peyroux, no obstante, radica en ofrecer una transición asombrosamente sencilla entre su etapa como cantante de estándards y el más que probable inicio de un segundo periodo discográfico, marcado por las composiciones originales. Lo primero que advertirán los seguidores de la vocalista al escuchar Bare Bones es que apenas si hay diferencia entre el sonido aquí propuesto y el de sus precedentes álbumes.

Madeleine Peyroux ofrece aquí sus composiciones, sus letras, pero lo hace demostrando que conoce bien la tradición, es decir, ese vasto universo musical que abarca el American songbook, la edad de oro del jazz vocal y el pop tradicional. Las que figuran aquí son piezas creadas en algún momento entre el 2007 y el 2008, pero suenan como si hubiesen sido creadas más de medio siglo antes, como si salieran de la mente de Cole Porter, Irving Berlin, George Gershwin o, en los pasajes más orquestados, Burt Bacarach. Es una música que bebe del pop/rock alternativo contemporáneo, pero que se presenta de forma clásica, buscando expresamente un toque tradicional, antiguo. Así pues, Bare Bones suena como si fuese una colección de estándards, así que es una obra absolutamente continuista respecto a Half The Perfect World, afirmación que seguramente agradará leer a la mayor parte de sus seguidores. Además de evidenciar el talento de Madeleine Peyroux, el disco incluye la presencia de su solvente productor habitual, Larry Klein, que se implicó notablemente en calidad de compositor, pues firma hasta seis cortes junto a su aventajada producida. Pero no acaban ahí las ayudas, porque Walter Becker, de Steely Dan, también se puso manos a la partitura, colaborando en la creación de dos de las más belles piezas, la que da nombre al álbum y You can’t do me.

Créditos:
Madeleine Peyroux: guitarra acústica, voz.
Rebecca Pidgeon: coros.
Luciana Souza: coros.
Vinnie Colaiuta: percusión, batería.
Larry Goldings: órgano, Hammond, órgano Pump.
Carla Kihlstedt: trompeta, violón, harpa.
Larry Klein: bajo, percusión, productor, órgano Pump.
Dean Parks: guitarra acústica, clarinete, mandolina, guitarra pedal steel, guitara eléctrica, guitarra Hi String.
Bernie Grundman: masterización.
Heliz Hadar: ingeniero, mezcla.
Nicolas Essig: ingeniero asistente.
Cindi Peters: coordinación de la producción.
Carla Leighton: diseño, dirección artística.
James Minchin: fotografía.

Este es el tracklist del CD:

Instead. 5:13
Bare bones. 3:26
Damn the circunstances. 4:37
River of tears. 5:21
You can’t do me. 5:04
Love and treachery. 4:20
Our lady of pigalle. 5:28
Homeless happiness. 3:59
To love you all over again. 3:59
I must be saved. 4:45
Somethin’ grand. 3:44

Duración total: 49:56

8,5/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

IV PREMIOS ACID JAZZ HISPANO 2008: ¡LAS NOMINACIONES!

2009-02-04T07:25:00.000-08:00

Un año más, y ya son cuatro, es un placer para nosotros organizar los Premios Acid Jazz Hispano, un evento al que, de nuevo, está invitada toda la buena música. Pretendemos premiar algunas de las propuestas más interesantes del 2008 en toda una serie de categorías, incluyendo las estrictamente discográficos pero también todas aquellas relacionadas con el mundo de la música. De nuevo, ampliamos el número de categorías, pues la entusiasta participación del año anterior nos anima a daros la oportunidad de expresar vuestras preferencias en otros aspectos que también consideramos interesantes. Por último, por primera vez desde que instauramos los premios, las nominaciones han sido confeccionadas a partir de los votos de los miembros de la redacción de la web, de modo que esta vez sólo os pedimos un esfuerzo, que es el de votar a vuestros favoritos de la lista de nominados. El plazo para votar en los IV Premios Acid Jazz Hispano acaba el 28 de Febrero, este incluido. Podéis hacerlo a través de la plantilla que encontraréis en el link que hay al final de esta página. A continuación, las nominaciones en cada categoría. Ver nominaciones.

Crítica de Flamenco Breaks, de Los Rumbers

2009-02-04T07:18:00.000-08:00

Los Rumbers.
FLAMENCO BREAKS.
Autoeditado.
Edición: 2008.
Estilo: Breakbeat; Nu-Flamenco; Nu-Rumba.
Gustará a…: los que quieran escuchar flamenco en las pistas de baile.

Es curioso que, en un país, España, con una escena flamenca tan interesante y, sobre todo, con tanta historia, no se hubiese creado un movimiento paralelo que lo reinterpretase mediante la introducción de elementos electrónicos. Sí, se alumbró una mínima escena mal llamada “flamenco-chill”, con Chambao como ejemplo más exitoso y exportado, pero no estuvo acompañada por una fusión similar que, sin embargo, mirase a la pista de baile. Si el tango, la bossa nova, el afrobeat, el jazz, el funk…, y prácticamente cualquier estilo que uno imagine tienen su vertiente electrónica orientada a los clubs, es una pena que el flamenco no la tuviese. Es especialmente inexplicable teniendo en cuenta que, más que otros muchos estilos, uno de sus principales componentes es el baile. Afortunadamente, desde el 2008, el electro-flamenco de club tuvo a Los Rumbers, dúo español tan valiente como pionero, formado por Pete Lamotta y DrGuasa.

Los Rumbers ya había dejado breves muestras de su talento en forma de maqueta y temas incluidos en diversas compilaciones, entre las que destaca su aportación a Spain is different volume 2, en la que El Gran Lapofsky seleccionó su inspirado tema Viva lo güenno. Sin embargo, su talento se encontró con una barrera difícil de franquear: las licencias. El dúo propone una electrónica predominántemente basada en la combinación de samples y programación, y claro, si los fragmentos están extraídos de grabaciones cuyos derechos pertenecen a una major, la posibilidad de editarlos disminuye drásticamente. La cosa se complica todavía más en el caso de las remezclas, que alguna hay en Flamenco Breaks. En fin, es triste que Los Rumbers no pueda ganar directamente dinero por su trabajo de estudio, que tenga que depender de las actuaciones que esto le reporte, pues es un derecho legítimo. La parte positiva es que, en el 2008, existía un canal igualmente efectivo para dar a conocer ampliamente una obra, sin necesidad de pasar por un formato físico ni de firmar con un sello: la distribución gratuita via Internet.

A través de la descarga legal como producto promocional, pudimos disfrutar de un atractivo álbum debut que integra con éxito elementos electrónicos, flamenco y, en menor medida, rumba, con una vocación claramente pistera. Figura su celebrado Viva lo güenno junto a otros cortes igualmente irresistibles (Que me quiten lo bailao, Abstract wicked rumba) y alguna que otra delirante rareza, entre ellas, la lograda Como el agua (be water remix). Además, para que el asunto sea aún más complejo y estimulante, Los Rumbers introduce también influencias de la música negra, especialmente jazz y funk, de modo que el cocktail es tan inusual como efectivo. Eso sí, me sorprende que convenciese a la Agencia Andaluza para el Desarrollo del Flamenco para que patrocinase Flamenco Breaks, porque esta música tiene muchas más posibilidades de agradar a los amantes de la electrónica y/o la blacktrónica que a los aficionados del flamenco, salvo, claro está, que estos últimos tengan la mente bien abierta a las nuevas tendencias. En fin, no deja de ser una muestra de inteligencia por parte de Junta de Andalucía. Y por parte de Los Rumbers.

Termino con la frase que puede leerse en la contraportada: “…copia, descarga o regala este disco tú mism@ a quién tú quieras…”. Que así sea.

Este es el tracklist del CD:

Que me quiten lo bailao. 5:39
Flame & Co. 5:45
Abstract wicked rumba. 4:43
Viva lo guenno. 4:27
Electromartinete. 5:16
Carajingo. 4:09
Como el agua (be water remix). 4:14
The big apple. 5:05
Como mi ritmo. 4:58
Rumbeando. 4:29
Nana del caballo grande. 5:44
Ay que doloo. 1:54

Duración total: 56:23

8/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Crítica de Live, de Gotan Project

2008-12-29T10:14:00.000-08:00

Gotan Project.
LIVE.
¡Ya Basta!
Edición: Noviembre 2008.
Estilo: Trip-Hop; Electro-Tango.
Gustará a…: los seguidores más entusiastas de Gotan Project.

Lo mejor de Live es que exista, es decir, que exista la posibilidad de escuchar la fabulosa música de Gotan Project en directo desde la comodidad del hogar (o desde donde uno quiera), pero ahí acaba este apartado. Ya hay un precedente más interesante, el DVD La revancha del tango live (2005), de modo que lo único que añade esta segunda referencia grabada en directo es la posibilidad de escucharlo en tu reproductor habitual y la presencia de los temas del segundo álbum del trío, Lunático (2006). De hecho, esta referencia parece justificarse sólo porque, entre una y otra, hubo un larga duración de por medio. En cualquier caso, a finales del 2008, la discografía de Gotan Project se componía de sólo dos álbumes de estudio por dos discos grabados en directo y un CD-mix, de modo que está claro que el sello ¡Ya Basta! (el creado y dirigido por Philippe Cohen Solal, talentoso y afortunado ideólogo del grupo) supo explotar el éxito de La revancha del tango (2001). La lástima es que, por ganar la comocidad en la reproducción, se pierda la posibilidad de ver al conjunto sobre el escenario, por mucho que no sea una propuesta muy atractiva visualmente (proyecciones aparte).

Live es interesante, irresistible, porque las composiciones y versiones de Gotan Project son excelentes, porque su reinterpretación en clave electrónica del tango parece tan inmortal como los clásicos en los que se inspiró. Sin embargo, las interpretaciones en directo que aquí figuran apenas si difieren de las de estudio, de modo que es como escuchar La revancha del tango y Lunático junto a la reacción del público. Exceptuando las versiones orquestales de Santa Maria (del buen Ayre) y Diferente, grabadas en estudio, en el resto de cortes los cambios más notables son algún solo un poco más desarrollado, especialmente al piano en Santa Maria (del buen Ayre), y abundantes fragmentos de audio extraidos de films, documentales… En esencia sigue siendo lo mismo que en las versiones de estudio, porque todo esto no pasa de ser un adorno. Si, además, acudiste a algún concierto de Gotan Project ente el 2006 y el 2008, este doble CD todavía tiene menos alicientes, pues enseguida comprobarás que es igualito, además de evidenciar la mínima presencia de la improvisación.

Nota: existe una edición de coleccionista, denominada Gotan Objet y presentada en una caja, que incluye estos dos discos, un single en vinilo de siete pulgadas, un póster puzzle, un DVD y un libro con más de un centenar de fotos.

Este es el tracklist del CD:

Disco 1:
Live intro. 1:32
Queremos paz. 4:14
Vuelvo al Sur. 6:03
El capitalismo foraneo. 5:47
La del ruso. 6:30
Santa Maria (del buen Ayre). 8:26
Nocturna. 2:49
Triptico. 9:36
Chunga’s revenge. 5:17
Last tango in Paris. 6:19
Sola. 7:10
Santa Maria (versión orquestal). 2:57

Disco 2:
Diferente. 6:28
La vigüela. 5:36
Amor porteño. 5:24
Época. 4:57
Notas. 4:30
Lunático. 3:17
Che bandoneón (interlude). 1:21
Una música brutal. 4:02
Santa María (del buen Ayre). 4:57
Arrabal. 4:52
El norte. 5:14
Criminal. 3:46
Tríptico. 9:26
Diferente (versión orquestal). 4:00

8/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Mi relación con la música

2008-10-18T03:56:00.000-07:00

Me llamo Santiago Tadeo Cervera, soy el responsable de la gran mayoría de textos publicados en esta web (lo que supone un evidente problema de pluralidad), y aunque con anterioridad publiqué mi biografía, os presento una biografía extendida en la que relato mi relación con la música. Biografía que irá actualizándose a medida que vaya añadiendo días a mi vida y que me vayan ocurriendo cosas. Dado que no estoy seguro de que conocer mi vida musical pueda tener algún interés, me he preocupado por incluir chistes fáciles periódicamente para que, en caso de que haya algún atrevido, la lectura le resulte más amena. Eso sí, si me preguntáis a mí, yo os recomiendo leerla. Faltaría más. Con lo que me ha costado escribirla... Seguir leyendo.

Crítica de Boto And The Second Liners, de TM Juke & The Jack Baker Trio

2008-10-18T03:54:00.000-07:00

TM Juke & The Jack Baker Trio.
BOTO AND THE SECOND LINERS.
Tru Thoughts. (TRU174)
Edición: 8 Septiembre 2008.
Estilo: Nu-Funk; Nu-Bossa; Nu-Soul; Nu-Jazz; Nu-Latin.
Gustará a…: los que quieran un álbum festivo y nacido para animar.

Boto And The Second Liners, el primer álbum de TM Juke & The Jack Baker Trio, es como una compilación dedicada a la electrónica de baile. Si figuran doce temas, no es muy aventurado afirmar que se escuchan otros tantos estilos diferentes. El sello que edita el disco, Tru Thoughts, lo presenta como “un viaje por el espíritu de fiesta callejera del Nueva York de los 80, por la música go-go y el hip hop de inspiración old school, por el funk y el soul de Memphis y el Mardi Gras de Nueva Orleans, y por el sur hasta latinoamerica y la samba brasileña”. Esta afortunada descripción no es exagerada, pues este primer trabajo es así de ecléctico. Funk, soul, jazz, hip hop, ragga, samba, ska y varios estilos latinos se dan cita en el debut de TM Juke & The Jack Baker Trio, siempre desde una perspectiva electrónica y con la pista en el punto de mira. No hay ni un sólo corte downtempo, todos son poderosos ejercicios rítmicos pensados para invitar al baile. Es como una celebración de las músicas de baile de toda sudamérica, tanto latinas como brasileñas, todo aderezado con sonidos negros.

Respecto a la obra anterior del talentoso productor Alex Cowan, aka TM Juke, el precedente más claro es el dúo que formó junto a Robert Luis, Me & You, concretamente el primer álbum de este proyecto, Floating heavy (Tru Thoughts, 2007), que también era tremendamente variado y era igualmente bailable de principio a fin. Además, ambos álbumes comparten la querencia por la samba, los sonidos latinos y la música negra. No obtante, la evolución de TM Juke en Boto And The Second Liners se manifiesta en un mayor protagonismo de la instrumentación real, en un sonido mucho más orgánico que relega la electrónica a una función meramente rítmica, en una propuesta en la que los samples ya no son la base. Esto ya estaba presente en su segundo trabajo, Come away (Tru Thoughts, 2006), pero aquí da un paso más. Eso sí, no camina sólo, porque la participación de Jack Baker tiene como principal consecuencia, justamente, la mayor presencia de instrumentos, de escritura, de composición frente a programación. La otra parte de este dúo con nombre de cuarteto es alguien que Alex Cowan conocío en la banda de Alice Russell, un músico que, antes que productor, es instrumentista: sacad vuestras propias conclusiones. Funciona muy bien la combinación del toque orgánico de Jack Baker y la producción de un TM Juke que no para de crecer y de consolidarse en la escena blacktrónica, así que Boto And The Second Liners es recomendable. Pero es que, además, como atractivo adicional, el plantel de colaboraciones vocales es excelente. Andreya Triana, que ha producido su álbum debut con Bonobo, una inmejorable carta de presentación, convence con una interpretación preñada de soul que encajaría perfectamente con una producción de Jazzanova; Alice Russell, vieja conocida, deja otra pincelada de su potente voz funky; Kathrin deBoer, de Belleruche, aporta un toque de dulzura; y, finalmente, el inclasificable Gecko Turner impregna Party favours con su inconfundible personalidad, desplegando ese peculiar modo de cantar/hablar que, inevitablemente, te hace sonreir.
Este es el tracklist del CD:

Portion of a recording.
That gut feeling feat. Andreya Triana.
Echoes from the surface.
Spread it on feat. Alice Russell.
Heads high(er).
The train.
Omak besar (big waves).
Rolling Stones to landslide feat. Kathrin deBoer.
Fortune favours the bold.
Party favours feat. Gecko Turner.
Swamp ska’s.
Yeah the crab!

Duración total: 52:41

8,5/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Chart Octubre 2008

2008-10-18T03:52:00.000-07:00

1. Minority report feat. Ne-Yo. Jay-Z. Roc-a-Fella Records/ Def Jam Recordings.
2. Donkey Ride feat. Quantic. Mr. Scruff. Ninja Tuna.
3. Fleur de lille. Parov Stelar. Etage Noir Recordings.
4. Da bump (Masters At Work remix). Mr. V feat. Miss Patty. Defected Records.
5. I’m in love (Rasmus Faber epic remix). Studio Apartment. King Street Sounds.
6. Music. Tobias Baumgart. Chocolatsoul Records.
7. Unforgiven. Roland Appel. Sonar Kollektiv.
8. Inside ur soul (Axphere remix). Le Gotta. Chocolatsoul Records.
9. Butterfly. Azymuth. Far Out Recordings.
10. Turn it out. Joey Negro & The Sunburst Band. Brownswood Recordings.

Crítica de Southport Weekender, Vol. 7, de Jazzanova y Mr. Scruff

2008-09-08T10:50:00.000-07:00

Compilada y mezclada por Jazzanova y Mr. Scruff.
SOUTHPORT WEEKENDER, VOL. 7.
SuSu.
Edición: Julio 2008.
Estilo: Club/Dance; House; Broken Beat; Soul; Soul-Jazz; Funk; Disco.
Gustará a…: los que acepten las compilaciones desafiantes.

La saga Southport Weekender, la que toma su nombre del conocido festival británico, vuelve al sello SuSu, y lo hace con una de las mejores entregas. Sin ánimo de quitarle ningún mérito al responsable del sello, diré que tampoco es muy complicado que así sea, porque contratar a Jazzanova y a Mr. Scruff es una garantía. Cuando el sexteto berlinés y el extravagante productor/DJ inglés son los encargadas de una compilación, el resultado sólo puede ser interesante, con muchas posibilidades de que sea deslumbrante, y este es uno de los casos en los que ocurrió lo segundo. Southport Weekender, Vol. 7 no sólo será una excelente manera de promocionar el festival homónimo, sino que también prestigia al sello que lo edita, SuSu, y, más importante aún, a muchos melómanos les devolverá la confianza en el maltratado mundo de las compilaciones. Sabréis que yo no soy un gran amante de los recopilatorios, que creo que, como mucho, pueden ser un buen complemento de los álbumes de estudio, pero estas ediciones son las que justifican su existencia.

Jazzanova y a Mr. Scruff suman sus nombres a la lista de ilustres compiladores que han firmado las entregas precedentes de la serie Southport Weekender, una lista que incluye a Blaze, Dimitri From Paris, DJ Spen, Miguel migs, Kenny Dope o Kerri Chandler. Sin embargo, aunque en eso no haya cambio alguno en la serie, pues los dos nuevos artistas también son estrellas de atractivo internacional, el sonido de Southport Weekender, Vol. 7 tiene muy poco que ver con el de volúmenes precedentes, y menos todavía con el propuesto por Kerri Chandler en Southport Weekender, Vol. 6. Si la saga se caracteriza por el protagonismo del house en todas sus variantes, este estilo aquí es sólo uno de los muchos ingredientes. Es evidente que de Jazzanova no se debe esperar una sesión enteramente dedicada al house, pero es que ni siquiera escuhamos algo parecido. Lo que ofrece al sexteto berlinés es una inteligente y sorprendente selección, una sucesión de buenos temas de electrónica, muy bien mezclada, que huye de hits y de lugares comunes y que continuamente desafia al oyente. Jazzanova no pincharía esta sesión en un club, pero para su consumo doméstico es ideal. Olvidaos de la clásica sesión que sólo sirve para improvisar una pista de baile en casa: la selección de los alemanes está pensada para ser escuchada muy atentamente, sentado a ser posible, como un ejercicio exclusivamente intelectual. Ahora bien, si uno tiene la mente lo suficiéntemente abierta y siente ganas, también la puede emplear como invitación al movimiento.

Mr. Scruff acepta también el desafio y propone otra sesión inesperada, que se sale del estandad de la saga. La diferencia es que él prescinde de la electrónica (salvo en el corte final), y opta por una recopilación de rarezas de soul/ funk/ disco clásico, temas de artistas menos conocidos por el resto de los mortales pero que forman parte de su extensísima colección de vinilos. La suya, no obstante, a pesar del esfuerzo con la selección, sí es una sesión más convencional, de las que causan furor en las pistas de los clubs dedicadas a los ‘black grooves’.

Con la suma de los dos CDs, Southport Weekender, Vol. 7 es una edición tan variada como estimulante, la mejor desde Southport Weekender, la primera entrega, del 2003, que incluye tres CDs compilados por Joey Negro, Miguel Migs y Gilles Peterson.

Este es el tracklist del CD:

Disco 1: mezclado por Jazzanova:
Club69. Telepatics.
Promises (Beyond The Wizards re animation). Badly Drawn Boy.
Ghana wadada (The Lost Man remix). Soulphiction.
Turn loose (dixon edit). Soultourist.
The brighter side (Version’s percusive vocal mix). Version.
Lighthouse. Dop.
I exist becasuse of you. Henrik Schwarz & Amampondo.
Cahtach a leaf (Mark de Clive Lowe remix). Recloose.
She walks alone (Markus Worgul mix). Eva Be feat. Pegah Ferydoni.
Unforgiven. Roland Appel.
Still sequence (Innervisions version). Tokyo Black Star.
Elleli (Kalabrese remix). Madioko ‘N’ Rafika.
Dance freak. South Brown Community Youth Project.
Theme from belle et fou (Danny Krivit edit). Jazzanova.

Disco 2: mezclado por Mr. Scruff:
Blazin. Stardust.
The time is right for love. Bobby Reed.
I come running back. Sandra Wright.
That’s what you say (Everytime you’re near me). Gloria Scott.
Gonna get your love. Ray Frazier & The Shades of Madness.
I bet you can’t love me one time. Bill Spoon.
Let me love you. Clausel.
Stop on by. Momie-O.
Live and let live. Jimmy Jones.
Funny thing. Willie Joe.
Wahoo wahoo wahoo. Wayne Carter.
I ain’t lyin. The Soul Controllers.
Gone. Mark V Unlimited.
Blind man. LA Carnival.
Mr bind man. Donna McGhee.
Time is running out. Brass Fever.
Time & days (Harvey re-masters mix). Crue-I Grand Orchestra.
Down the way. Sparkle.
You got the floor. Arthur Adams.
Cosmic consciousness. The Loving Sisters.
Soul control. Theo Parrish feat. Alena Waters.

Duración total: 2:19:57

9/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Crítica de Weir hits, two covers & a love song, de Rubin Steiner

2008-08-06T16:50:00.000-07:00

Rubin Steiner.
WEIRD HITS, TWO COVERS & A LOVE SONG.
Platinum.
Edición: 2008.
Estilo: Electro-Rock; Disco-Punk.
Gustará a…: los que sigan a un artista independientemente del estilo que desarrolle.

Ya lo apuntó en Wunderbar drei (2002) y lo dejó algo más claro en Drum major! (2005): Rubin Steiner quiere ser rockero. El productor francés se dio a conocer con su personalísimo nu-jazz, luego se interesó por el hip hop y progresivamente fue otorgando mayor protagonismo a las guitarras rockeras. Quizá antes no se atrevía a dar rienda suelta a su pasión rockera, puede que no quisiese perder a sus seguidores de siempre variando radicalmente su propuesta, pero en Weir hits, two covers & a love song ha dejado definitivamente atrás su timidez y ha grabado el disco de rock con el que, por lo visto, llevaba tiempo soñando. Quiere esto decir que se trata de una rareza en su discografía, al menos hasta el momento, de modo que el único álbum anterior con el que mantiene cierta relación estilística es Drum major! Lo más importante es, eso sí, que la música de Rubin Steiner sigue resultando interesante, que su faceta rockera también es bienvenida.

Weir hits, two covers & a love song ofrece exactamente lo que promete el título. El francés propone una buena dosis de extraños hits (potenciales hits, por mucho que tengan escasas posibilidades de ser un éxito a corto plazo), dos versiones y una canción de amor. El apartado de reinterpretaciones los componen A hit, de Smog, y Warm leatherette, de The Normal, que personaliza con asombrosa facilidad, mientras la cuota romántica la cumple, y con nota, con la colaboración de Mme Douze en Can you. Ahora bien, quiero mandar un mensaje tranquilizador para los que disfrutasen con los anteriores trabajos de Rubin Steiner, pues se reconoce la autoría de estos cortes. Lo que le delata es su vocación pistera. Puede que esta vez no recurra al corta y pega de samples que era una de sus señas de identidad en sus primeros discos, puede que sea un trabajo casi interamente orgánico, en el que incluso ha utilizado sintetizadores vintage, pero la mayor parte de sus temas siguen siendo especialmente propicios para el baile. Habrá cambiado nu-jazz por rock, pero seguirás bailando con su música.

Este es el tracklist del CD:

Friend’s noise. 1:22
Another record story. 3:49
Take your time. 4:33
Kiss Richards. 4:13
Hope to see you at total heaven. 4:03
Can you. 4:00
A hit. 2:25
For sloy. 5:09
Warm leatherette. 3:36
1974. 4:42
A baby: 2:12

Duración total: 40:05

8/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Chart Julio 2008

2008-08-06T16:21:00.001-07:00

1. Ain’t nobody bizness. Sy Smith. Psyko! Records.
2. Balada Jenny. Miguel’s Trio. Ayva Música.
3. If You Only (Rasmus Faber Remix) feat. Chanteuse Joslyn. Chieko Kinbara. Nite Grooves.
4. Blanco o negro. Aruán Ortiz Trio. Ayva Música.
5. Maiden voyage. Herbie Hancock. Columbia.
6. Regina. Iñaki Sandoval Trio. Ayva Música.
7. Deep down and dirty. Stereo Mc’s. Island Records.
8. I know you know. Esperanza Spalding. Heads Up International.
9. Sahara Swing. Karl Hector + The Malcouns. Now-Again/ Stones Throw Records.
10. Checkmate. Jason Palmer. Ayva Música.

Pincho en Perejil's Festival

2008-07-10T04:24:00.000-07:00

Del 10 al 12 de Julio del 2008 se celebra la segunda edición del Perejil’s Festival, el Festival Multicreativo de Reus, Tarragona. Se trata de una plataforma para la exploración y exposición en torno a inicativas que se encuentran en la frontera entre el arte y la cultura contemporánea. La muestra, organizada por Perejil’s Sounds, se centra en tres áreas con el objetivo de representar las tendencias actuales de la creación contemporánea: DJ-creación musical (sesiones de pinchadiscos, creadores de música electrónica), diseño independiente (moda, arquitectura, diseño conceptual…), electro-imagen (creación de foto y vídeo, arte multimedia, cortometrajes…). En lo que respecta a la programación musical, incluye la participación de Speak Low, David Robles, Mar Abella, Max Plank, Carlos Hollers, Amusia, Alex Martin Ensemble, Toni Rox, DJ Bordallo, Soul Galaktik, Makala, Txarly Brown y yo mismo, Santiago Tadeo Cervera, entre otros. Tenéis toda la información en la web del Festival.

Crítica de Sahara swing, de Karl Hector + The Malcouns

2008-06-29T07:25:00.000-07:00

Karl Hector + The Malcouns.
SAHARA SWING.
Now-Again/ Stones Throw. (NA5035)
Edición: 9 Julio 2008.
Estilo: Afro-Funk; Afro-Jazz; Funk.
Gustará a…: los que disfruten con la música negra de sabor africano.

Now-Again es el subsello del estadounidense Stones Throw (una referencia para los amantes del hip hop) dedicado a reeditar rarezas de música negra de los 60/70. Ahora bien, de tanto en tanto edita un proyecto contemporáneo, pero se trata de casos muy excepcionales, de propuestas que también son muy peculiares. Para empezar, lo más curioso de Karl Hector + The Malcouns es su aparición en escena, porque incluso tengo mis dudas sobre si Karl Hector existe. Sea o no una invención, esta es la segunda referencia discográfica del misterioso Karl Hector, pero si la primera vez que tuvimos noticias suyas fue con el EP de siete pulgadas Free I Wanna Be / Funky Sex-Machine Live, de Karl Hector & The Funk Pilots, esta vez podemos escuchar un LP completo, además con el sugerente título de Sahara swing. Lo importante es que, a falta de mayor información, debemos considerar Karl Hector + The Malcouns como un proyecto más en el que se han embarcado los miembros de The Poets Of Rhythm (también aquí encontramos a Jan Whitefield), del mismo modo que Karl Hector & The Funk Pilots fue recibido como uno de sus muchos alias.

Lo más asombroso de Sahara swing, no obstante, es su sonido, y es eso lo que explica que Now-Again haya vuelto a centrar sus esfuerzos en editar música contemporánea. El sello define la propuesta como “Afrodelic kraut funk de las mentes responsables de The Poets Of Rhythm y The Whitefield Brothers”. Claro que lo de “afrodelic kraut funk” es una de esas etiquetas que desorientan más que describen. Sí han estado más acertados comparando a Karl Hector + The Malcouns como un cruce entre el afrobeat de Fela Kuti, el funk de James Brown, el jazz cósmico de Sun Ra y el afro-jazz del etiope Mulatu Astatke. En la práctica no se produce una verdadera fusión de estos cuatro estilos, eso sería un acontecimiento histórico, sino que, según el tema, suena más funky, o más psidocélico, o más inspirado por los ritmos tradicionales africanos, o se sumerge en el jazz espiritual de los 60... Eso sí, siempre suena bien y estimulante, independientemente de la dirección escogida. Sahara swing es atrevido, desafiante en algunos pasajes, pero también está preñado de groove e incluye más de una pieza bailable (esto último lo digo para los pinchadiscos). Recomendable.

Este es el tracklist del CD:

1. When The Sun Breaks Through.
2. Nyx.
3. Followed Path.
4. Transition >J<. +

5. Sahara Swing.

6. Psycles.

7. Transition >I<.

8. Koloko Pt. 1.

9. Debere.

10. Transition >Z<

11. Jabore Pt. 3.

12. Mystical Brotherhood.

13. Timely Interuption.

14. Transition >B<.

15. Mellow (Version).

16. Rush Hour.

17. Transition >W<.

18. Toure Samar.

19. Passau Run.

Duración total: 45:37

9/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Chart Junio 2008

2008-06-29T07:23:00.000-07:00

1. Bee’s on Mars. TM Juke. Tru Thoughts/ Ubiquity Records.
2. The hoop loop (Solo Moderna remix). Me & You. Tru Thoughts.
3. Surrender (Migs’s naked seduction dub). Petalpusher. Naked Music Recordings.
4. Kelly watch the stars (Live BBC 1998 ). Air. EMI.
5. Off the ramp. Humble Munk. Tru Thoughts.
6. Electrotumbao. The Pinker Tones. Pinkerland Records/ Outstanding Records.
7. Don’t joke with a hungry man (Live in Paris). The Quantic Soul Orchestra. Tru Thoughts.
8. Pais del ritmo feat. Fundación Tony Manero. Guateque All Stars. Zona Bruta.
9. Making it happen. Marta Sánchez. Errabal.
10. Qui diu què? Soul Atac. Autoproducido/ Temps Record.

Chart Mayo 2008

2008-05-30T09:43:00.001-07:00

1. Rise above. Nightsource. Naked Music Recordings.
2. Hired touch. Cobblestone Jazz. Studio !K7/ Wagon Repair.
3. How abount us. Conya Doss. Dome Records.
4. Feel (Miguel Migs petalpusher vocal). Li'sha Project. Salted Music.
5. Look at you now. Taniq. Crazatic Enterntainment.
6. Set you free. Ty Causey. Tyvonn Music.
7. Gel fos. TGX. New Mood Jazz.
8. Sweet spot. Timo Lassy. Ricky-Tick Records.
9. Bright moments. The Stance Brothers. Ricky-Tick Records.
10. Damm straight. Teddy Rok Seven. Jupiter.

¡Pincho en el Cultura Urbana!

2008-05-18T13:46:00.000-07:00

Yo pincho el sábado 31 de Mayo de 17:30 a 18:30, como parte de los DJs de Soul Nation. Espero que vaya bien la cosa.

Crítica de Live in paris, de The Quantic Soul Orchestra & Spanky Wilson

2008-05-18T13:43:00.001-07:00

The Quantic Soul Orchestra & Spanky Wilson.
LIVE IN PARIS.
Tru Thoughts. (TRUDVD147)
Edición: 7 Abril 2008.
Estilo: Jazz-Funk; Deep-Funk; Soul-Jazz.
Gustará a…: los que quieran saber cómo suena un concierto de The Quantic Soul Orchestra (en ocasiones, como esta, no me apetece pensar qué poner aquí).

En Octubre del 2006, The Quantic Soul Orchestra editó el álbum I’m thankful. El tercer trabajo de su discografía no sólo destacaba por su interés artístico o por ser una de las referencias ineludibles del revival deep-funk, sino también por incluir como vocalista a la veterana Spanky Wilson. Esta artista estadounidense, que comenzó su carrera a finales de lo 60 y que llevaba varios años inactiva, fue recuperada para el negocio musical por Quantic que, admirador de sus LPs, la requirió para su tercer álbum de estudio, Mishaps happening, del 2004, en el que cantó en dos temas. La primera colaboración fue tan prometedora que Spanky Wilson y Quantic decidieron grabar un larga duración juntos, y así es como llegamos hasta I’m thankful, el resultado de esta afortunada asociación vocalista-productor. Naturalmente, tras esta edición, se impuso una gira de presentación en la que The Quantic Soul Orchestra y Spanky Wilson unieran fuerzas y, afortunadamente para nosotros, eso fue exactamente lo que ocurrió. De hecho, el concierto que fue grabado para este DVD tuvo lugar en Noviembre del 2006, esto es, justo un mes después de la salida del disco.

Tras el Live in Paris de Alice Russell, el sello británico Tru Thoughts volvió a proponer un segundo DVD, con el mismo título además, lo que ocurre es que el de The Quantic Soul Orchestra y Spanky Wilson, pese a ser grabado en la misma época, tardó mucho más en ver la luz, seguramente para no coincidir con la edición de Tropidélico, el cuarto álbum de la formación liderada por Quantic, en las tiendas desde Octubre del 2007. Por lo demás, el Live in Paris que nos ocupa es muy similar al de Alice Russell, pues también presenta, en su totalidad, una única actuación, grabada con ocasión de la noche What the F.U.N.K. parisina. La diferencia es una cuestión de tamaño: The Quantic Soul Orchestra cuenta con nueve miembros, de modo que fue necesario un club con mayor capacidad, y el elegido fue La Maroquinerie.

Entrando en materia musical, debo comenzar el comentario afirmando, con una dosis extra de entusiasmo, que Live in Paris ofrece un concierto excelente. Para escuchar funk y soul con dosis de espectacularidad, el conjunto británico no es el más indicado. Ni siquiera cuenta con los intérpretes más virtuosos de cada instrumento (aunque su calidad es indudable), y es evidente que Will Holland no es el mejor director posible para una banda. Sin embargo, esto no es impedimento para que proponga muy buena música, tan interesante como en sus siempre inspirados álbumes. El atractivo de The Quantic Soul Orchestra consiste en combinar unas logradas composiciones y arreglos, esto es, la parte escrita, con unas interpretaciones y solos en los que se aprecia cierta libertad, esto es, la parte improvisada. Además, a todo esto suma el componente de autenticidad que otorga la presencia de Spanky Wilson, una vocalista que ha vivido la época dorada del soul, que ha colaborado con los grandes y que conoce bien los escenarios. Todo esto se aprecia desde su entrada tras la introducción, cuando comienza a cantar el tema I’m thankful. Puede que no conserve intacta su voz, que empiece su interpretación con cautela, pero domina su voz y tiene un asombroso sentido del ritmo, es decir, del funk. Adopta el rol de veterana que se las sabe todas, de mujer que conoce de sobra su atractivo, la fuerza de su presencia escénica, que juguetea con los “I love you” del público y, en definitiva, que sabe atraer la atención hacia ella, incluso en los pasajes instrumentales. Eso sí, no todo es la actitud, porque su interpretación es deslumbrante en más de un corte, y cuando es necesario un buen chorro de voz, demuestra que no la ha perdido, que mantiene un innegable poderío vocal. Los dos temas estrella de Live in Paris, Don’t judge a book by it’s cover y Don’t joke with a hungry man, se reservan para la parte final, y funcionan muy bien como puntos culminantes de la actuación. Antes de eso, no obstante, la banda ya ha seducido con el vibrante Descarga, una pieza que anticipa la querencia por la música latina que Will Holland desarrollaría poco después en Tropidélico.

Créditos:
Spanky Wilson: voz.
William Holland: guitarra, mezcla y dirección musical.
Malcolm Catto: batería.
Jack Yglesias: percusión.
Jamie Lawrence: bajo.
Stephen Large: teclado.
Max Grunhard: saxo.
Antony Haydon: trombón.
Scott Baylis: trompeta.
Sabrina Moello: mezcla.
Simon Little: mezcla.

Este es el tracklist del DVD:

1. Intro.
2. I’m thankful.
3. Waiting for your touch.
4. Blood from a stone.
5. You.
6. That’s how it was.
7. Kissing my love.
8. Descarga.
9. Oily.
10. San Sebastian Strut.
11. A woman like me.
12. Last day of summer.
13. Don’t judge a book by it’s cover.
14. Message to tomorrow.
15. Break.
16. Don’t joke with a hungry man.
17. Sunshine of your love.

Duración total: 94 minutos.

9/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Chart Abril 2008

2008-05-02T07:00:00.000-07:00

1. There’s a lull in my life. Steve Evans. Schema Records/ ESC Records.
2. Te tengo. Sr. Zambrana. Nines & Helen.
3. A boot doesn’t ask, just trample. Lêndi Vexer.
4. Doo wop girl. Family Vision Care. Unique Records.
5. Intervention of one. STP feat. Kevin Yost. i! Records.
6. How the West was won. Bill Evans. Intuition Music.
7. For a few pussies more. The Cabrians. Redstar 73/ Liquidator Music.
8. Funk in the hole. Roy Ayers. Rapster Records/ BBE Music.
9. Ode to the big sea. The Cinematic Orchestra. Ninja Tune.
10. Who’s gonna save my soul. Gnarls Barkley. Downton Music/ Atlantic.

Entrega de los III PREMIOS ACID JAZZ HISPANO 2007 -Marula Café - 24 Abril - Madrid

2008-04-15T13:47:00.001-07:00

Los Premios Acid Jazz Hispano, que comenzaron a celebrarse en el 2005, han ido creciendo año a año, pues el aumento en el número de categorías ha sido paralelo al del número de participantes. También esperamos que esto esté acompañado por una cada vez mayor consideración por parte de los visitantes de esta web y por los artistas, hayan o no sido nominados/premiados. Siguiendo con este progresivo crecimiento, que esperamos tenga continuidad en el futuro, este año, por primera vez, organizamos una entrega de premios. Tras conocerse los resultados de los III Premios Acid Jazz Hispano 2007, hemos querido entregar personalmente los premios a todos los ganadores que puedan asistir. Será un fiesta sencilla, pero queremos que sea exactamente eso, una fiesta protagonizada por buenos músicos y responsables de su difusión, una reunión de amantes de la buena música. Tendrá lugar en la sala ganadora del Premio a la Mejor Sala, Marula Café, el Jueves 24 de Abril, a las 22:00. Primero entregaremos los diplomas a los ganadores, y acto seguido empezará la parte musical con una sesión del Colectivo Acid Jazz Hispano (Álex Sampedro, Santiago Tadeo Cervera y José Antonio de la Jara), seguida por otra de Casbah 73, el gran triunfador de los III Premios Acid Jazz Hispano 2007. ¡Os esperamos! Ver flyer.

Crítica de la compilación Chocadelia lounge

2008-04-15T13:34:00.000-07:00

Compilada por DJ Mibor y Axphere.
CHOCADELIA LOUNGE.
Chocolatsoul Records.
Edición: 2008.
Estilo: Nu-Jazz; Jazz-House; Nu-Soul; Electrónica.
Gustará a…: los interesados por la blacktrónica y la música negra creada en España entre el 2006 y el 2007.

Proyecto largamente acariciado por Chocolatsoul Records, Chocadelia lounge está compilada por DJ Mibor, creador del sello, y Axphere, nombre artístico de gean, responsable del grupo Matinalsystem. Es una compilación tan necesaria como interesante, necesaria porque propone una selección de temas de la escena española, pero no respondiendo a alguna rancia premisa patriótica, porque también incluye producciones de artistas que no son españoles a pesar de vivir en el país. Es importante que existan recopilatorios de este tipo, que se centran en las creaciones de un mismo lugar, porque son los que construyen la conciencia de escena, tanto entre los artistas como entre los amantes de este tipo de música. Es bueno comprobar que existe un gran número de creadores (muchos aquí incluidos) que están produciendo un tipo de música similar. Por supuesto, cada artista tiene su personalidad y si algo ejemplifica Chocadelia lounge es la variedad de las propuestas, pero eso no impide que se cree cierta cohesión, que se aprecien constantes, que se intuyan las influencias que comparten. Es muy positivo reagrupar a grupos y artistas que se dirigen a un mismo tipo de público, porque es muy complicado que todos se den a conocer a partir de iniciativas individuales, de modo que si esta compilación sirve para que, en poco más de un hora, alguien los descubra a todos, habrá cumplido con su misión. Es, además, el tipo de edición que evidencia la calidad de la música que se está creando en España, de modo que no sólo debería atraer la atención de los de aquí, sino también de cualquier amante de la música negra y la blacktrónica. Chocadelia lounge, por tanto, es una candidata a convertirse en un producto exportable, en un atractivo embajador musical.

La compilación se centra en la escena contemporánea, recuperando recomendables álbumes del 2007, como The soundtrack of my life, de DJ Mibor o Long weekend, de Matinalsystem, pero también se interesa por dos de los álbumes más destacados del 2008: Shine a light, de Satya Project y Madrid boogie, de Venueconnection. Sólo por esto Chocadelia lounge ya es una compilación de mérito, pero es que, además, incluye por partida doble a Gas Lab (a nosotros ya nos gustó mucho su carta de presentación: Rhythm n strings), y nos descubre a toda una serie de prometedoras propuestas ― algunas debutan discográficamente aquí― que nos gustará escuchar en adelante. Por eso, independientemente de que sea una compilación valiente, pionera y necesaria, ante todo es una delicia.

Este es el tracklist del CD:

The rain. Big Bossa.
Together. Gas Lab.
Deep inside. Big Bossa.
Regrets. Gas Lab.
Funky time. Jazz T.
Tu voz es la música. Matinalsystem feat. Verónica.
Oddly sweet. Sadako Experience.
Alone on the beach. Egodeejay.
Is it right. Venueconnection.
Complexly simple. Isla Zebra.
Afrobadeo. Kidboy.
Sweet melody. DJ Mibor.
Sensitive. 2046.
Bora’s bounce. Satya Project.
All you need. Funkeepers.

Duración total: 1:03:20

9/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para Acid Jazz Hispano

Chart Marzo 2008

2008-03-26T11:58:00.000-07:00

1. Pasado pisado. Dario Boente. Dario Boente Music.
2. Axis of ignorance (Funkstörung remix). Nils Petter Molvaer. Studio !K7.
3. Channel. Michael Fakesch. Studio !K7.
4. Every breath you take. Leo Giannetto. Audia Records.
5. Sphere. Funckarma. Sending Orbs.
6. Ain’t misbehavin’ (I’m savin’ my love for you). Billie Holiday. Verve Records.
7. Run honey run feat. Bradley Burgess. Morcheeba. Echo Records.
8. Wildflower (Povo remix). Nostalgia 77. Tru Thoughts.
9. A new paradise. Satya Project.
10. Sycamore blues (Dublex Inc. remix). Gecko Turner. Lovemonk.

Crítica de Madrid Boogie, de Venueconnection

2008-03-22T09:54:00.000-07:00

Venueconnection.
MADRID BOOGIE.
Phazz-A-Delic. (PHAZZ001 – ES)
Edición: 4 Abril 2008.
Estilo: Jazz-Funk; Nu-Soul; Nu-Funk; Acid Jazz.
Gustará a…: los interesados por la blacktrónica en todas sus vertientes.

En el 2005 fue una grata sorpresa descubrir el álbum debut de Venueconnection, Strawberry swan lake, que por entonces se presentaba con su atractivo eslogan “acid jazz lounge”. Se trata de uno de esos discos aparentemente sencillos cuya escucha es tan agradable que, por error, tendemos a infravalorar. Sin embargo, su capacidad de seducción iba mucho más allá de su frescura y toque “easy listening”, de lo contrario no lo recordaría con tanta nitidez tres años después, cuando la formación edita su esperado segundo trabajo, Madrid Boogie. Pues bien, ese encanto cuya explicación en Strawberry swan lake sólo podíamos intuir, se convierte aquí en una clamorosa evidencia, porque este nuevo disco está a otro nivel. No sólo se ha producido una notable evolución del grupo en todos los aspectos (interpretación, composición, producción…), sino que ha afrontado una obra mucho más ambiciosa. Es muy loable que Venueconnection no se haya contentado con repetir el sonido de su debut y haya querido ir más lejos, ampliando sensiblemente su paleta estilística y ofreciendo una propuesta de mayor complejidad. La aventura, aunque arriesgada, ha tenido un final feliz, porque Madrid Boogie está a la altura de las expectativas, y eso que yo, por lo menos, esperaba mucho.

Si con su primer trabajo definió su sonido como “acid jazz lounge”, aquí escuchamos más acid jazz que lounge, pero es que ni siquiera es útil tratar de clasificar su música. Madrid Boogie es, ante todo, tremendamente variado, tanto que en ocasiones cuesta creer que Venueconnection sea el autor de todos los temas. No sólo se atreve con casi cualquier estilo negroide (jazz, funk, soul, R&B, gospel…), sino que incluye influencias latinas nada tímidas, incursiones en la rumba y hasta el toque exótico del sitar, que es un placer recuperar en tres temas. Además, a todo esto suma un inteligente y bien entendido uso de las posibilidades de la electrónica, esto es, unas programaciones rítmicas que enriquecen el resultado sin nunca eclipsar el componente orgánico de los temas, que es el que predomina. Pero toda esta variedad serviría de poco sin los otros dos elementos que hacen de Madrid Boogie una recomendación segura: la composición y la producción. La escritura es un continuo ejercicio de inspiración, una sucesión de temas que cuentan, entre otras virtudes, con una breve duración. Sólo así se explica que mantenga el interés con nada menos que 16 temas, es decir, más de una hora de música. En lo que respecta a la producción, el trabajo de Javier Del Águila es excelente, su confirmación en la escena negra internacional. No me extraña que Stuart Wade, líder de Down To The Bone, haya expresado su admiración por el sonido de Venueconnection.

Y ha llegado ya el momento de hablar de algunas de las individualidades de Madrid Boogie, que son las que lo redondean. Seguramente la colaboración más publicitada y llamativa será la de Karl Frierson, voz de De-Phazz, pero ahí está Ángeles Dorrio, la versátil y poderosa voz del grupo. Y no acaba ahí la cosa, porque Venueconnection ha reclutado para la causa a la estrella del hammond B3, Mauri Sanchis, y al experimentado Román Filiú. Aquí me detengo yo, pero no acaba ahí la lista. En definitiva, un candidato a disco del año.

Créditos:
Javier Del Águila: composición, producción, grabación, mezcla, bajo, guitarra acústica, guitarra eléctrica, arreglos de cuerda y programaciones.
Ángeles Dorrio: voz y coros.
Fara Álvarez: composición, sitar.
Sergio Delgado: composición, teclados.
Mauri Sanchis: hammond B3.
Karl Frierson: composición, voz y coros.
Román Filiú: saxo tenor, saxo alto, saxo soprano y arreglos de vientos.
Hansel Luis: trompeta y fliscorno.
Petur Eriksson: trombón.
Rosalia Vázquez: violonchelo.
Eduardo Coma: violín.
Fran Porto: grabación y mezcla.
Nick Litwin: masterización.

Este es el tracklist del CD:

Madrid Boogie. 3:56
Cool vanilla. 4:41
Stay at home. 4:01
Stand up. 4:29
Bring back the funk. 1:42
Walkin’ your dreams. 4:34
Not in luck. 4:22
Mar de las calmas. 3:38
Mmm song. 4:26
Art of disappearing. 3:39
Lo siento. 3:28
Oriental glamour. 1:53
Let’s freeze. 4:33
The guitar. 5:29
Goodbye 13th century. 4:00
Is it right? 3:47

Duración total: 1:02:34

9,5/10

Escrito para http://www.acidjazzhispano.com/

Autobiografía

2008-03-22T09:37:00.000-07:00

Desde que escribí el primer texto para Acid Jazz Hispano, he redactado más de 600 biografías, y ahora me toca escribir la mia. Creo que debo hacerlo yo porque no quiero que aparezcan frases del tipo “es uno de los DJs más destacados de la escena internacional” o “ es una figura clave de la escena negra”, porque no es cierto, ni mucho menos.

A pesar de cursar estudios clásicos de música desde los cuatro años (especialidad piano), esta nunca fue para mí una prioridad. Más allá de los estudios y de los conciertos de música clásica a los que acudía, no sentía curiosidad por escuchar nada más. Sí, me pasaba horas tocando el piano diariamente y estudiando solfeo, harmonía y todo lo incluido en el lote, pero entonces me lo tomaba como una parte más de mi formación, igual que ir al colegio. No podía sospechar que tiempo después mi vida giraría entorno a la música. A los 18 años me regalaron el disco Tourist, de St Germain, y el jazz-house del francés me abrió un nuevo universo sonoro que cambió completamente mi vida, no sé si a mejor… A partir de ese momento empecé a investigar sobre otros artistas de la escena nu-jazz, y eso me llevó a descubrir el acid jazz. Ese estilo, evidentemente, hizo que no tardara en llegar hasta Acid Jazz Hispano, y a partir de ahí comenzó mi locura musical, mi pasión enfermiza.

Al acid jazz le siguió el funk, el soul, el jazz-rap, el hip hop, el reggae…, recuperé mi olvidado amor por el jazz, me sumergí de lleno en la música electrónica y, sobre todo, en la blacktrónica. Por eso ahora tengo un grave problema crónico que me hace disfrutar por igual con el swing de los 30, los rare grooves de los 70, el acid jazz de los 90 o el minimal techno contemporáneo. De todo eso escribí sin descanso para Acid Jazz Hispano desde el 2004, y hasta hoy. Paralelamente, inicié mi carrera como pinchadiscos, en solitario y como miembro del Colectivo Acid Jazz Hispano. Esta faceta no ha hecho más que empezar, aunque ya he tenido la suerte de ofrecer mis delirantes selecciones en salas tan prestigiosas como Afrodisia y Boogaclub (Granada), Dub Club y Black Note Club (Valencia), Moe Club y La Moe-Malevar (Madrid) o Il Savio (Udine-Italia) que, como veis, a veces hacen una excepción en la calidad de su programación. Además, para poder seguir sacando toda la música que voy acumulando, presento y dirijo el programa de radio La Revancha Del Jazz (Scanner FM, UPV Radio), formo parte de la redacción de la revista Soul Nation, colaboro con las revistas Enlace Funk y Hip Hop Nation, participé en el suplemento sobre el Jazzaldia 2007 de El Diario Vasco y, durante una época, escribí también para la web Beatburguer.com.

¿Lo que más me gusta? Escribir sobre los discos que escucho y transportar una pesada maleta llena de vinilos para compartir mi incurable amor por la música.

Contratación: santiagotadeo@gmail.com

Hago sesiones a medida para tu club, desde el funk de los 70 hasta la electrónica de baile. ¡Sé pinchar con vinilos y todo!